LA SALAMANDRA

TE ACTÚO QUE IMPROVISO Taller de entrenamiento actoral dictado por Xavier del Barco

2011-10-04T11:35:00.000-03:00

“ No tiene sentido ser actor si uno no puede transformarse”

“Casi toda la actuación es el resultado de la capacidad del intérprete de imaginar y reproducir la realidad de la ficción de la obra en el escenario y en la pantalla. Cuanto más pueda un actor estimular y entrenar su imaginación y su fantasía, mayor será su poder para comunicar la profundidad y el significado de su personaje”

Michael Chejov

El actor no es un elemento más dentro del suceso teatral. Es en el donde se depositan todas las miradas. A su vez el ojo del espectador es persuadido por el cuerpo del intérprete. La superficie expresiva de ese cuerpo es un músculo más que también debe entrenarse junto a la imaginación. Los actores no reproducen sino que producen sentido y crean mundos. Su presencia en el escenario ya transforma el presente y la mirada del otro que a su vez nos condiciona. Las particularidades de cada cuerpo y de cada actor generan infinidades de posibilidades, pero ¿Qué sucede cuando las herramientas no son suficientes? ¿Cuando la técnica desaparece? El taller propone explorar con cada participante las posibilidades expresivas del cuerpo y el imaginario. Se desarrollará un breve recorrido actoral tratando de componer imágenes y personajes diversos. Adentrarse en la potencia visual del gesto.

El imaginario actoral puede motivarse a través del desarrollo expresivo particular de cada individuo. El error es una posibilidad creativa, lo incierto un posible camino a transitar y lo desconocido, un lugar de búsqueda.

Xavier del Barco

DIRIGIDO A:

Actores, estudiantes de teatro, danza, e interesados en la actividad teatral.

DURACIÓN:

3 jornadas.

Viernes 7, Sábado 8 y Domingo 9 de Octubre

MODALIDAD:

Viernes de 19 a 21

Sábado de 17 a 20

Domingo de 17 a 20

LUGAR:

LA SALAMANDRA. Un espacio de arte.

Buenos Aires 472

Villa María - Córdoba

EMAIL

insalamandra@gmail.com

xavierdelbarco@gmail.com

INFO E INSCRIPCIONES: CONTACTARSE CON LAURA GÓMEZ CEL: 154233867 CUPOS LIMITADOS

Taller Intensivo: -LA IMPROVISACIÓN- Te improviso que actúo

2011-06-23T09:59:00.002-03:00

-LA IMPROVISACIÓN-

Te improviso que actúo

Taller intensivo de actuación

Dictado por Xavier del Barco

“Puedo tomar cualquier espacio vacío y llamarlo un escenario desnudo. Un hombre camina por este espacio vacío mientras otro le observa, y esto es todo lo que se necesita para realizar un acto teatral”

Peter Brook

Lo esperado no sucede, es lo inesperado lo que acontece

Eurípides

FUNDAMENTACIÓN

Siempre se presupone al teatro y a la improvisación como un arte complejo y encriptado. De difícil acceso tanto a nivel conceptual como de recepción. Pero lejos de ser un monstruo de muchas cabezas, la improvisación implica complejidad y diversidad pero también así, significa disfrute y puro placer. Acercarse al mundo de la actuación y el teatro significa conocer, saber y entender pero también significa disfrutar, jugar y divertirse. Por eso este taller propone brindar herramientas básicas en relación a la actuación despojada de métodos o fórmulas previas. Los participantes podrán poner sus dudas, inquietudes y deseos en el juego dramático de la improvisación. Podrán poner sus universos particulares e individuales en la escena. Vivir la ficción como un modo de entender la realidad.

OBJETIVOS

· Descubrir y disfrutar el desarrollo actoral

· Vivenciar las posibilidades de la expresión teatral

· Experimentar con el cuerpo las variables expresivas y corporales

· Motivar a la creatividad mediante el juego y el goce

CONTENIDOS.

· Las posibilidades del cuerpo. Reconocimiento corporal y expresivo.

· Trabajo vocal. Las variantes de la voz y su relación con el cuerpo.

· El desarrollo creativo y la improvisación.

· Creación de escenas a partir de elementos cotidianos no teatrales: Las noticias, la televisión y el cine.

· El objeto como un elemento creativo y generador de múltiples sentidos.

· Trabajo con textos teatrales y no teatrales y sus formas de interpretación.

ACTIVIDADES

· Trabajo de conciencia y percepción corporal mediante ejercicios de calentamiento físico: Articulaciones, extremidades, partes del cuerpo.

· Desarrollo de la noción de concentración y atención con nuestro entorno corporal: Juegos de movimientos, velocidades, variables, intensidades, dinámicas corporales.

· Conocimiento del espacio que nos rodea y el otro: Relaciones corporales y expresivas mediante dinámicas de grupos.

· Investigación del uso del objeto: Variables de significaciones y relaciones con el cuerpo y el espacio.

· Improvisación: Juegos lúdicos teatrales a partir de consignas diversas donde el participante pone en juego sus intereses.

· Trabajo específico de la voz y todas sus variables elementales y significantes.

· Exploración del recorrido actoral: Construcción de personajes mediantes consignas de búsqueda de la particularidad de cada participante.

DIRIGIDO A:

Público en general, jóvenes y adultos con alguna experiencia. (No excluyente)

DURACIÓN:

2 jornadas. (Sábado y Domingo)

MODALIDAD:

Clases de 5 horas cada una.

FECHAS: 23 Y 24 DE JULIO

XAVIER DEL BARCO

Actor. Docente de teatro en Escuela Primaria Patricias Mendocinas. Estudiante de Teatro del Departamento de Teatro de la Escuela de Artes de la Facultad de Filosofía y Humanidades en la U.N.C. Cursando 5to Año.

Integrante del Elenco Estable del Teatro Minúsculo de Cámara desde 2003.

Comienza su formación en el año 2001 en el Centro de Producción Cultural Medida x Medida dirigido por Cheté Cavagliatto; tomando clases con distintos referentes de Córdoba: Cheté Cavagliatto, Hernán Sevilla, Walter Cammertoni, Santiago Pérez.

Es dirigido por Hernán Sevilla en la obra “Baños” en 2002/2003 que fue invitada al “8vo Encuentro Nacional de los Grupos” en la ciudad de Mendoza Capital (2003) y al “5to Festival de Teatro. Viento y Marea. Villa Gesell” (2003).

Es dirigido por Nora Cerro en la obra “RUIN-Q (una reunión)” de Silvina Franco estrenada en el año 2004.

Realiza trabajos escenográficos para Operas en el Teatro del Libertador San Martín: “Carmina Burana”, “Dido y Eneas”, “Pimpinone” con reggie de Cheté Cavagliatto y escenografía de Santiago Pérez. Trabaja como técnico escenográfico y figurante en el Festival de Música Barroca “Camino de las Estancias”.

En el año 2004 es convocado por el coreógrafo y director Walter Cammertoni para la obra “Entre Tanto Nosotros” (Poemas del cuerpo) estrenada en el Centro Cultural España Córdoba. Participa con la misma en el “III Festival de Nuevas Tendencias la Menage” en el Teatro Real de la Ciudad de Córdoba en el 2005.

En el 2005, es actor convocado a participar en la obra “Fahrenheit” producida por el Centro Cultural España Córdoba y estrenada en el Cineclub Municipal Hugo del Carril. Obtiene el premio “Fomento a la Investigación”, otorgado por la Agencia Córdoba Cultura en el marco de los Premios Convocatoria al Teatro Independiente 2005, por el proyecto “Aprendizaje en el Entrenamiento Actoral”. Perfeccionamiento actoral en Buenos Aires - Capital con el Prof. Actor Alejandro Catalán.

En 2006 estrena la obra “LA NOCHE FALSA” la cual fue participe del “VI Festival Internacional de Teatro MERCOSUR”. Además de realizar giras en Tucumán, Rosario, Santa Fé y Salta.

Forma parte de la sitcom teatral “Maldita Afrodita” junto al elenco del Teatro Minúsculo en el Cineclub Municipal Hugo del Carril dirigida por Luciano Delprato en el año 2006 y 2007.

En el año 2008 estrena “EDIPO R.” con el grupo Organización Q dirigida por Luciano del Prato, con la cual participa en las “100 horas de Teatro”, “Festival del Invierno”, en la “Fiesta Provincial de teatro” “Fiesta Regional de Teatro” y en la “Fiesta Nacional del Teatro” realizando funciones en la provincia del Chaco y Santa Fe.

En abril de 2009 estrena la obra “Con la sangre de todos nosotros” dirigida por Daniela Martín.

En mayo 2009 estrena “Alias Gospodin” de Philip Lolhe dirigida por Ariel Dávila y producida por el Instituto Goethe.

Actualmente se desarrolla como co-guionista y actor de la sitcom teatral “CORAZON DE VINILO”, en el Cineclub Municipal Hugo del Carril. Participa como actor en “COPA AMATEUR Un torneo Teatral” en el Cineclub Municipal Hugo del Carril.

Ha participado en múltiples comerciales en TV como “Onda Sport”, “Córdoba.net” “Óptica La Pirámide”, “Papel Solidario del Hospital de Niños”, entre otras

Taller de Teatro infantil 1 y 2

2011-05-03T00:41:00.000-03:00

Taller de Teatro infantil 1 y 2

Dirigido a niños de 6 a 12 años (NIVEL1), Y de 12 años de edad en adelante (NIVEL 2) cuyo objetivo es que los niños puedan, a través de códigos propios del lenguaje teatral, potenciar su creatividad explorando sus capacidades expresivas, lo que posteriormente practicarán en su vida diaria estableciendo una base de buena comunicación corporal y verbal.

Cada sesión cuenta con una etapa de entrenamiento, dinámicas grupales e individuales y finaliza con la etapa de dramatización, tomando siempre como punto de partida del aprendizaje lo lúdico.
INSCRIPCIONES ABIERTAS!
LOS ESPERAMOS!

IMPORTANTE: LOS TALLERES SON DICTADOS POR ACTRICES DOCENTES, FORMADAS PARA ENSEÑAR

HORARIOS: MARTES 18 A 20 (NIVEL 1)
JUEVES 18.30 A 20,30 (NIVEL 2)

2011-05-03T00:31:00.000-03:00

Taller de Teatro para jóvenes y adultos

La actuación se orienta fundamentalmente desde la actividad lúdica a incorporar técnicas actorales, a ejercitar la capacidad del alumno para vincularse integralmente [cuerpo, intelecto y emoción] consigo mismo, con los compañeros y con el espacio a través de los elementos técnicos de la improvisación: acción – objetivos – circunstancias – entorno
Se entrena la escucha, la atención, la adaptación, la imaginación y la integración.

Algunos contenidos:

pre- expresividad
expresividad ( a través de entrenamiento en impro)
técnicas de actuación
análisis de texto
técnica vocal
nociones de escritura teatral
ABIERTAS LAS INSCRIPCIONES
NUEVO HORARIO
Lunes desde las 18 a 21 hs.

HORARIO NORMAL
martes desde las 20,30 a 24,30

profesores:

Sebastian Giordano
Laura Gomez
Roxana Sella

Clases de Canto:

2011-04-05T08:47:00.000-03:00

Clases de Canto: Técnicas de Respiración, Proyección, Impostacion, Articulación... Ritmo y aspectos musicales de la música.Vocalizacion. Practicas de Interpretación grupal.
2 hs semanales

PROFESORA MANUELA MERCAU
Info: insalamandra@gmail.com
manuelamercau@hotmail.com
156565200
4530808

MENSAJE POR EL DÍA INTERNACIONAL DEL TEATRO, Jessica A. Kaahwa, Uganda

2011-03-27T19:13:00.000-03:00

La celebración de hoy es un reflejo fiel del inmenso potencial que posee el teatro para movilizar comunidades y tender puentes.
¿Han pensado alguna vez que el teatro podría ser una herramienta muy poderosa para la paz y la reconciliación? Mientras las naciones gastan colosales sumas de dinero en misiones de paz en zonas de conflictos bélicos por el mundo, se presta muy poca atención al teatro como alternativa personalizada para la gestión y transformación de conflictos. ¿Cómo pueden los ciudadanos de la madre tierra alcanzar la paz universal si los instrumentos que se emplean provienen de poderes externos y aparentemente represivos?
El teatro impregna sutilmente el alma humana presa del miedo y la desconfianza, alterando su propia imagen y abriendo un mundo de alternativas para el individuo y, por tanto, para la comunidad. Puede aportar significado a la realidad diaria mientras previene un futuro incierto. Puede participar en temáticas de política social de forma sencilla y directa. Al ser integrador, el teatro puede presentar experiencias capaces de transcender las ideas erróneas preconcebidas. Además, el teatro es un medio probado de progreso y defensa de las ideas, que mantenemos y por las que estamos dispuestos a luchar cuando no se respetan, de forma colectiva.
Para anticipar un futuro de paz, debemos comenzar usando medios pacíficos que busquen comprender, respetar y reconocer las aportaciones de cada ser humano en la tarea de esta búsqueda de la paz. El teatro es ese lenguaje universal a través del cual podemos promover mensajes de paz y reconciliación. Permitiendo a cada participante comprometerse activamente, el teatro puede hacer que muchos individuos deconstruyan ideas preconcebidas y, de esta forma, ofrece al individuo la oportunidad de renacer para tomar decisiones basadas en conocimientos y realidades redescubiertas. Para que el teatro crezca con fuerza, entre otras formas de arte, debemos dar un paso decidido hacia adelante incorporándolo en la vida diaria, abordando asuntos críticos de conflicto y paz.
En su búsqueda de transformación social y reforma de las comunidades, el teatro ya existe en áreas devastadas por la Guerra y entre poblaciones que sufren pobreza o enfermedad crónica. Hay un número creciente de historias donde el teatro ha sido capaz de movilizar con éxito audiencias para construir conciencia y para atender a víctimas de traumas de postguerra. Plataformas culturales como el “Instituto Internacional del Teatro” que tienen como objetivo “consolidar la paz y la amistad entre los pueblos” ya están en marcha.
Es por tanto una farsa mantenerse callados en momentos como el nuestro, conociendo el poder del teatro, y permitir a los que empuñan armas y lanzan bombas ser los pacificadores de nuestro mundo. ¿Cómo pueden estas herramientas de alienación ser también instrumentos de paz y reconciliación?
Os exhorto, en este Día Mundial del Teatro, a reflexionar sobre esta posibilidad y a proponer al teatro como herramienta universal de diálogo, transformación y reforma social. Mientras las Naciones Unidas gastan colosales cantidades de dinero en misiones de paz por todo el mundo, por medio del uso de las armas, el teatro es una alternativa espontánea, humana, menos costosa y de lejos, mucho más poderosa. Si bien puede que no sea la única respuesta para conseguir la paz, el teatro debería ser incorporado sin duda como una herramienta eficaz en las misiones de paz.

(*) Jessica A. Kaahwa, Uganda. Dramaturga, actriz, directora y profesora de teatro. La Doctora Jessica Kaahwa es no sólo una dramaturga consumada, así como actriz, directora y maestra de teatro; ella es también altamente respetada internacionalmente por su trabajo humanitario. Erudita brillante, ha sido galardonada con numerosas becas y premios para continuar sus investigaciones y sus trabajos de campo utilizando el teatro y los medios como una fuerza constructiva, así como para mejorar la salud, en las zonas de conflicto. Es conferencista superior en los departamentos de Música, Danza y Arte Dramático en la Universidad Makerere de Uganda.

Taller de Teatro para jóvenes y adultos

2011-03-12T15:00:00.001-03:00

La actuación se orienta fundamentalmente desde la actividad lúdica a incorporar técnicas actorales, a ejercitar la capacidad del alumno para vincularse integralmente [cuerpo, intelecto y emoción] consigo mismo, con los compañeros y con el espacio a través de los elementos técnicos de la improvisación: acción – objetivos – circunstancias – entorno
Se entrena la escucha, la atención, la adaptación, la imaginación y la integración.

Duración de las clases 4 horas.

Algunos contenidos:

pre- expresividad
expresividad ( a través de entrenamiento en impro)
técnicas de actuación
análisis de texto
técnica vocal
nociones de escritura teatral

Taller de Teatro infantil 1 y 2

2011-03-12T14:52:00.001-03:00

Taller de niciación al juego teatral (desde los 4 años)

2011-03-12T14:24:00.003-03:00

El hecho de que el niño empiece a hacer teatro no quiere decir que se convertirá en un actor. Los niños, juegan a crear, inventar y aprenden a participar y a colaborar con el grupo.

Las clases de teatro infantil son terapéuticas y socializadoras. Los trabajos en grupo, los ejercicios psicomotores y el contacto físico entre los compañeros, son la base de la educación dramática.

El teatro es un campo inagotable de diversión y educación a la vez. A los más pequeños, el teatro no debe estar restricto a la representación de un espectáculo. El teatro infantil debe ser visto como una experiencia que se adquiere a través del juego.

Beneficios del teatro infantil para los niños

Con el teatro el niño aumenta su autoestima, aprenden a respetar y convivir en grupo, conocen y controlan sus emociones, descubren lo que es la disciplina y la constancia en el trabajo, además de desenvolverse entre el público.

El teatro también puede servir para:

- Ayudar en la socialización de los niños, principalmente a los que tienen dificultad para comunicarse.
- Mejorar la concentración y la atención de los niños.
- Transmitir e inculcar valores.
- Promover que los niños reflexionen.
- Fomentar el uso de los sentidos de los niños.
- Motivar el ejercicio del pensamiento.
- Estimular la creatividad y la imaginación.
- Hacer que los niños se sientan más seguros.
- Ayudar a los niños a que jueguen con su fantasía.

La mejor edad para que los niños empiecen a acudir a clases de teatro es a partir de los cuatro años. A esta edad, el niño podrá leer, entender, y su poder de memoria es alto. Los niños absorben todo lo que escuchan

IMPORTANTE:

LOS TALLERES SON DICTADOS POR DOCENTES "FORMADOS" EN ESTA DISCIPLINA.
LAS INSCRIPCIONES ESTÁN ABIERTAS, LAS CLASES COMIENZAN EN ABRIL
CUALQUIER DUDA CONSULTAR POR CORREO ELECTRÓNICO A insalamadra@gmail.com

Talleres de Teatro 2011

2011-02-27T18:46:00.001-03:00

Talleres de Teatro, Talleres de Arte... sumate!

porque el ARTE tiene razones:

Por el deseo.
Porque nos permite vivir varias vidas en una sola.
Porque es un medio para comunicarnos y compartir.
Porque ayuda a sublimar nuestros fantasma
Porque estimula el pensamiento simbólicO
Porque nos hace valorarnos y que nos valoren.
Porque incita a superarnos, a querer ser mejores en cada nuevo proyecto.
Para celebrar la magia
Porque la vida solamente, no alcanza
Porque no podemos no hacerlo
Por el placer infinito de crear

TE ESPERAMOS!!!!!!!!

Para-normal (lamento tu alegría)

2010-12-22T08:56:00.000-03:00

GRACIAS A TODOS!!!!!!!!!
Crítca de "El Diario"

Seminario Intensivo dictado por Jorge Monteagudo

2010-11-11T12:20:00.000-03:00

Domingo 12 de diciembre

CUPOS LIMITADOS

EL ACTOR INVISIBLE

Seminario intensivo de entrenamiento actoral por Jorge Monteagudo

Encuentro N° 0
...

¿Cómo soy otro?
¿Cómo soy otra?

La demolición del cuerpo: reconfiguración sensorial.
Veo con mis dedos

La búsqueda de otros: entre el vacío y yo.
Un espíritu entre nosotros

La muerte de la técnica.
No sé lo que hago

El trabajo del actor desde la nada.
Parado al filo del abismo

Jorge Monteagudo
Actor, performer, director, guionista y dramaturgo. Integrante del dúo de música escénica Bacalao:"Son de Juguete","Púrpura", "Vieja del Agua" y fundador del Teatro Minúsculo, colectivo que indaga sobre la poética de la improvisación y con el cual ha producido más de 400 pequeñas piezas de combustión espontánea y las sitcoms teatrales "Maldita Afrodita" y "Corazón de Vinilo".
Como docente ha dictado talleres y seminarios orientados a la técnica de la improvisación: “Laboratorio Minúsculo”, “El sonido en la escena”, “Sonido y movimiento” y “Bacalao no sabe lo que hace”.

Informes: insalamandra@gmail.com

ya se viene...

2010-10-21T21:24:00.000-03:00

PARA-NORMAL
(lamento tu alegría)

un día...de FUSIÓN DE DESVARÍOS...

Artistas(??)

ALTA JARANA (TEATRO)
SONORAS DE LLEGAR (MÚSICA)
EXCEPCIÓN TRIPOLAR (LITERATURA)
QUE FLASH (FOTOGRAFÍA)

desvariando vamos armando...lo que se ha roto...

FELIZ DÌA!!!!!!!!!!!

2010-09-11T00:32:00.000-03:00

LOS PROFES, LOS QUE DAN, LOS QUE QUIEREN ESTAR... LOS QUE NO SE CONFORMAN CON LO MINIMO SINO QUE BUSCAN CON ESFUERZO LO MÀXIMO QUE CADA UNO PUEDE DAR, LOS QUE SE EXIGEN Y LOS QUE EXIGEN, PERO SOBRE TODO LOS QUE TIENEN LA SEGURIDAD DE QUE EL TEATRO ES UN CAMINO HERMOSO Y ETERNO...

LEONEL GIACOMETTO, DRAMATURGO

LAURA GÒMEZ, ACTRIZ, PROFESORA DE ARTES EN TEATRO

LUCIANA RAFAELA BUENO, ACTRIZ, DOCENTE DE TEATRO

ROXANA SELLA, PROFESORA DE ARTES EN TEATRO, ACTRIZ

(LINDO EQUIPO, NO?)

La vida es una obra de teatro que no permite ensayos...Por eso, canta, ríe, baila, llora y vive intensamente cada momento de tu vida... antes que el telón baje y la obra termine sin aplausos.

Charles Chaplin

Taller (Leonel Giacometto)

2010-06-30T15:16:00.000-03:00

“ Aprender a improvisar es ante todo aprender a escribir. Escribir espontáneamente, solo o con otros, frente a un público...piezas de teatro de duración variable, cuyo principal interés reside precisamente en que se escriben, se interpretan y se escenifican delante de nuestros ojos.”
(R. Gravel y J.M Lavergne en “Impro. Reflexiones y análisis”)

Taller (Leonel Giacometto)

2010-06-26T22:06:00.001-03:00

En el momento ése en que uno (el director) es personal, que deja de cuidarse simulando cuidar a los demás, aparece el actor más creador, el que oye a un director, porque está oyendo también a la persona que lo sostiene. Lo ve actuar de director, y sabe que ser un actor que ensaya y un director que dirige son dos simulaciones complementarias y provisorias. Y que por placentera que resulte, es una relación que se dirige a otra situación, donde cambiará todo, y que lo mejor que se puede conservar en el futuro es la confianza."

A. Ure

SUICIDADOR

2010-05-29T20:13:00.000-03:00

Elenco de Teatro independiente VM Presenta: Suicidador

Un Hombre Soñó que soñaba, cuando se despertó del primer sueño no se dio cuenta que no se había despertado del segundo..Esta es la Historia de ese imbécil... Suicidador -

Con
Leonardo Negro,
Samuel Figueroa ,
Y Alberto Arce

DIRECCION: WALTER STAUBLE

DESDE EL VIERNES 12 DE JUNIO, TODOS LOS VIERNES A LAS 22 HS.

LA SALAMANDRA
Bs As 472
Villa María, Cba

ELENCO

2010-05-19T17:44:00.000-03:00

Paralelo al inicio del el taller dictado por Leonel Giacometto en Villa María, comenzó también a funcionar un "elenco", un grupo de actores que se juntan los lunes y "ensayan".
Al principio todo surgía de improvisaciones NO PAUTADAS, desde los cuerpos, las voces, el espacio.
El director, que es además dramaturgo (escritor) es el que fué dandóle la forma que HOY va empezando a tener este proyecto.
Ensayamos, nos quejamos, reímos y exigimos más y más a nosotros mismos.Nos resistimos a cambiar, porque esto es un cambio, en nuestra manera de actuar, en nuestras "técnicas" que venimos arrastrando con el tiempo y la experiencia, es como que de pronto nos tuvimos que olvidar de mucho de lo que creímos VERDADES ABSOLUTAS al momento de estar en escena.
Hoy somos seis actores,
Luciana Bueno
Sebastián Giordano
Laura Gomez
Juan Pablo Giovanini
Leonardo Negro
y quien escribe estas palabras, Roxana Sella.

Actores que tienen el apoyo permanente de un director que pese a estar en Rosario está presente en las consultas, en el apoyo, dando consejo o respondiendo cuestionamientos.

Nunca había pasado por una experiencia así, digo, de esto que se habla "Dramaturgia de actor", que no es una paparruchada, ni algo que se hace porque si, o lo que salga... que tiene una profundidad inmensa que no se puede medir, solo hacer y sentir.

Es difícil... claro que si... implica dejar de lado MUCHOS de los conceptos que atravesaron siempre (y atraviesan) nuestra manera de ser como actores, pero es sin duda un reto que todos los integrantes del grupo nos propusimos a cumplir,
En realidad somos siete, nuestro director es parte, gran parte de nosotros, y de lo que hoy por hoy se llama
"ADOQUINES"

Roxana Sella
La Salamandra

Desde el interior del interior

BLOG DE NUESTRO ELENCO: http://armarioteatral.blogspot.com/

De Armario Teatral

2010-05-15T23:37:00.000-03:00

ESTE ES EL BLOG DEL ELENCO DE VILLA MARÍA, CUYO DIRECTOR ES EL DRAMATURGO ROSARINO LEONEL GIACOMETTO.
ME TOMÉ EL ATREVIMIENTO DE PUBLICAR AQUÍ, ALGUNOS DE LOS MONTAJES DE FOTOGRAFÍAS QUE FORMAN PARTE DE ESE ARMARIO... TEATRAL... NUESTRO.

TALLER DE DRAMATURGIA-ACTUACION- PUESTA DICTADO POR LEONEL GIACOMETTO. JORNADA 6

2010-05-01T05:04:00.000-03:00

ARMARIO TEATRAL

2010-04-28T10:39:00.000-03:00

BLOG DEL ELENCO DE VILLA MARÍA

DIRECCIÓN: LEONEL GIACOMETTO:

ELENCO:

RAFAELA BUENO
SEBASTIAN GIORDANO
LAURA GOMEZ
ROXANA SELLA
JUAN PABLO AMANTE
LEONARDO NEGRO
JUAN PABLO GIOVANINI

http://armarioteatral.blogspot.com/

5to ENCUENTRO, TALLER DE TEATRO (ACTUACIÓN-DRAMATURGIA-ESCENA)

2010-04-16T07:44:00.000-03:00

DICTADO POR LEONEL GIACOMETTO
LUNES 12/04/2010

4º jornada del Taller de Teatro (actuación-dramaturgia-escena) dictado por Leonel Giacometto

2010-04-10T00:21:00.000-03:00

LUNES DE 18 A 21 HS.

2010-04-10T00:09:00.000-03:00

DICTADO LOS VIERNES DE 18 A 19,20 HS

TALLER DE TEATRO- NIÑOS

2010-04-09T23:52:00.001-03:00

DICTADO LOS MIÉRCOLES DE 18,30 A 20,30

3º jornada del Taller de Teatro (actuación-dramaturgia-escena) dictado por Leonel Giacometto

2010-04-02T18:13:00.001-03:00

2 jornada taller de teatro (actuación-dramaturgia-escena) Leonel Giacometto

2010-03-29T12:48:00.000-03:00

1º JORNADA DEL TALLER DE TEATRO (ACTUACIÓN-DRAMATURGIA-ESCENA) DICTADO POR LEONEL GIACOMETTO

2010-03-21T16:49:00.002-03:00

LEONEL GIACOMETTO

2010-03-18T13:57:00.002-03:00

http://www.eldiariocba.com.ar/noticias/nota.asp?nid=22374

LEONEL GIACOMETTO

2010-03-18T13:57:00.000-03:00

http://www.eldiariocba.com.ar/noticias/nota.asp?nid=22374

TALLER

2010-03-12T21:05:00.001-03:00

Taller de teatro (actuación-dramaturgia-escena)

2010-02-20T18:24:00.001-03:00

Tendrá como metodología de trabajo ciertas nociones, contextos, coyunturas y búsquedas basadas en la improvisación actoral no como oposición al texto teatral, sino como herramienta de construcción de una dramaturgia atravesada por la escena y los cuerpos que genera, de ese modo, una posible postura política y/o ideológica entre el llamado “teatro de autor” y el teatro que enfoca al actor como centro del espectáculo teatral. La necesidad de una mirada dramatúrgica no aislada de los procesos de creación de la escena, y búsqueda del actor de una intencionalidad dramatúrgica dentro de su propia búsqueda actoral. Dicho taller está dirigido a actores formados o en formación, sin límite de edad ni de experiencia previa, y tendrá una duración aproximada de seis meses con una muestra final abierta al público.

DICTADO POR LEONEL GIACOMETTO

LEONEL GIACOMETTO (Rosario, Santa Fe, 1976). Escritor, dramaturgo, periodista cultural y, a veces, director de actores. En narrativa ha publicado Pequeñas dispersiones (Editorial Municipal de Córdoba, Córdoba, 2005). Algunos de sus cuentos fueron premiados y publicados en antologías en Argentina, España, Costa Rica y México. Para chicos ha escrito Náufragos y Piratas (Editorial Homo Sapiens, 2005), Leones, osos y perdices (Editorial Colihue, 2006), La gata mujer (Primer Premio Certamen de Teatro-Guignol La Maison d'Amérique Latine en Rhône-Alpes, Francia, 2009). Para teatro, entre otras, Dolor de pubis (Siete autores: la nueva generación, Editorial Inteatro, Buenos Aires, 2004), Santa Eulalia, Madagascar (Dramaturgos del Litoral argentino, Editorial de la Sociedad General de Autores, Argentores, Buenos Aires, 2008) Despropósito, Arritmia (Nueva dramaturgia argentina, Editorial Inteatro, Buenos Aires, 2008), Plató (Tercer Premio en el VII Certamen de Textos Teatrales de Torreperogil, España, 2004), Herr Klement (Primer Premio del concurso de textos teatrales del Ayuntamiento de Santurce, España, 2005), Todos los judíos fuera de Europa. Escribió y dirigió Carne Humana (1998), Fingido (2007), Real (2007), Latente (2008) y Desenmascaramiento (2008). Sus obras son representadas en Argentina, España, El Salvador, México, Estados Unidos y Venezuela. Junto a Patricia Suárez publicó Trilogía peronista (Editorial Teatro Vivo, Buenos Aires, 2005). Reside en Rosario. Nominado a los Premios ACE 2006/2007, mejor autor argentino por Todos los judíos fuera de Europa (6 nominaciones ACE, 3 Premios ACE -Mejor espectáculo off, Mejor Actor, Revelación masculina).

TALLERES 2010

2010-02-20T18:04:00.003-03:00

TALLERES 2010

La actuación se orienta fundamentalmente desde la actividad lúdica a incorporar técnicas actorales, a ejercitar la capacidad del alumno para vincularse integralmente [cuerpo, intelecto y emoción] consigo mismo, con los compañeros y con el espacio a través de los elementos técnicos de la improvisación: acción – objetivos – circunstancias – entorno. Se entrena la escucha, la atención, la adaptación, la imaginación y la integración.

Taller de Teatro para niños:
miércoles DE 18,30 A 20,30 HS.

Taller de Teatro para jóvenes y adultos
Jueves: 19 a 21 hs.
y 21,30 a 23,30 hs.

Prof: Roxana Sella

Inscripciones abiertas.

MÚSICA
La formación del músico, no solo depende de logros
individuales, sino de compartir vivencias musicales y artísticas con
sus pares, por eso planteamos como eje principal la actividad de
orquesta y formaciones musicales, en todo momento y en los diferentes
niveles.

NIVELES

Musijugando

Iniciación al mundo sonoro 3,4,5,años

Iniciación musical 6,7,8,años

Clases individuales: de Violín, Viola y Violoncello

comprende, una clase semanal, mas actividad de grupo

Actividad de Orquesta en todos los niveles.
Profesor Esteban Schaad

Iniciación al teclado

Canto (grupal e individual)
Prof. Soledad Terrieres
informes:

insalamandra@gmail.com
154148266 (Profe)
154201333 (Leonardo)
154190431 (sala)

Sobre Esperando a Godot de Samuel Beckett, en versión del KRONOS TEATRO con dirección de Julio Rodríguez, por Marcelo Ponce (Cba)

2010-01-07T10:32:00.006-03:00

Sobre Esperando a Godot de Samuel Beckett, en versión del KRONOS TEATRO con dirección y puesta de Julio Rodríguez (1)
por Marcelo F. Ponce (Córdoba)

I

En el diario The New York Times, uno puede encontrar un interesante archivo de notas cuyas entradas, a la manera de una concisa enciclopedia, están dispuestas por orden alfabético. En el listado aparecen personas que se han destacado por haber dejado, como legado, obras que son de relieve en el campo de las artes y de la cultura en general, a nivel global. La entrada que corresponde a Samuel Beckett dice lo siguiente:
Samuel Beckett (1906-1989) is to the modern drama what James Joyce, his fellow Irishman and one-time employer, is to the modern novel: a father and patron saint whose shadow stretches inescapably into the 21st century. It could even be argued that "Waiting for Godot" (1953), the work that made him famous, is the most influential play of the last hundred years, forever altering the form and direction of drama.(2)
El pasaje precedente, con el cual se puede, legítimamente, concordar o no, es sin duda un claro indicio del lugar que ha logrado ocupar —y que sigue ocupando— el escritor irlandés Samuel Beckett, tanto dentro del canon de la literatura dramática como dentro del teatro contemporáneo. Esta es la razón por la cual toda nueva representación de una de sus obras —ya sea en versión fiel o en versión libre— es, en principio, bienvenida. E invita, por eso, a ir a verla. Aún cuando, por cierto, implica, por una lado, una gran responsabilidad (y riesgo) para sus hacedores, ya que se trata de una obra globalmente consagrada —y, por ende, ya muchas veces puesta en escena en diversos lugares— pero es, también, al mismo tiempo, una excelente oportunidad tanto para los actores como para los espectadores y los críticos que aman el buen teatro.
Esquilo, Sófocles, Eurípides, Shakespeare, Racine, Voltaire, Molière, Chéjov, Ibsen, García Lorca, Ionesco, Genet, Brecht, Pinter, y también Beckett, son algunos ejemplos de que parte de lo más exquisito de la Literatura Universal ha sido escrito bajo la forma de literatura dramática y, ésta, ha sido concebida, además, para ser desplegada en escena y ante un público.
El proceso de escritura de la pieza teatral Esperando a Godot dur´trs mesesalcanzó su conclusión en enero de 1949, cuando Samuel Beckett tenía, por entonces, 42 años. Pero el estreno, en teatro, recién se concretó el 5 de enero de 1953, en lengua francesa, en el pequeño Théatre de Babylone de París, con el título de En Attendant Godot.

Desde la década del cincuenta, el teatro beckettiano se lo conoce por el término “teatro del absurdo”. El adjetivo absurdo significa “opuesto a la razón”. Desde mi modo de ver, podría haberse denominado con igual mérito e igual poder descriptivo, también, como “teatro del sinsentido”, o “teatro de la ridiculez”, o “teatro de lo incomprensible o de lo indescifrable”…
Pero propongo aquí repensar esta calificación ya que absurdo implica desde mi punto de vista no solamente un juicio de hecho (fáctico) sino también un juicio de valor sobre la obra, con algo de innegable tonalidad despectiva, que no me resulta plenamente convincente. En todo caso, estaría más de acuerdo con las denominaciones “teatro de lo aparentemente absurdo” o “teatro metafórico que recurre a lo absurdo como forma” o “teatro que se burla de la realidad”.
La denominación teatro del absurdo, introducida en teoría teatral por el crítico inglés de origen húngaro Martin Julius Esslin en su libro de 1962, y basado en su propia valoración personal tiene, para mí, demasiadas limitaciones, es limitante, y considero que ya cumplió su ciclo. Me parece mucho más acertado hoy llamar al teatro de Beckett, “teatro de interrogación” o, mucho mejor aún, “teatro de la insinuación”.
Mi argumento se basa en el significado de la palabra insinuar. E insinuar es “dar a entender algo no haciendo más que indicarlo o apuntarlo ligeramente” o también “principiar algo de forma poco perceptible”. Con lo cual, además, tiene la ventaja de quedar implícito lo del minimalismo estético como forma que, como vemos, no es escindible del concepto de insinuación.
La obra de Beckett es tan rica en matices y alusiones filosóficas y teológicas que no puedo concordar con la opinión establecida desde hace tiempo de que Beckett concibió y escribió Esperando a Godot como una forma de crear un equivalente teatral de lo absurdo de la vida o lo absurdo que es la vida, o peor aún, para afirmar por medio del arte teatral que “la vida es algo que carece de sentido” como si éste fuera su axioma. O el axioma del clima de época (en alemán, zeitgleist). Es decir, como una proposición en la que cree y en la que, al menos para él, es autoevidente y no requiere (mayor) demostración. Y mi punto de vista es que justamente la forma-afirmación no es la esencia o la gramática de la obra sino, por el contrario, la forma-interrogación es la que mejor responde al rol de ser-sustancia de la obra. En otras palabras, Esperando a Godot no hace una afirmación sino que hace, por lo menos, una gran pregunta e invita al público espectador (de cualquier época) a hacerse esa gran pregunta… Decir “esperando a Godot” es una manera elegante, minimalista y sutil de eludir o de huir —en definitiva, una forma de fuga de la obligación— de tener que dar una respuesta. O de cerrar posibilidades. Así, por lo tanto, creo que el absurdo es sí la exterioridad, la superficie, la faceta visible del teatro de Beckett —y por eso lo primero que saltó a la vista en la década del cincuenta—, pero no creo que sea en la actualidad un término suficiente para describir a aquello que lo define o que lo hace singular como obra de arte.
La desventaja adicional que le encuentro a la denominación teatro del absurdo es que si se asume que se trata de un teatro del absurdo o de un teatro-absurdo o un absurdo-en-el-teatro en concordancia con lo-absurdo de todo lo que hay fuera-del-teatro, esta asunción actúa como impedimento para explorar su profundo significado —ya que considera que lo absurdo es lo significado. Y porque se está partiendo de la premisa, a mi manera de ver errónea, de que se trata de un teatro sin sentido, sin significado o carente de significación. Cuando, en verdad, el absurdo no es su significado sino que en mi opinión es, por el contrario, un significante cargado de significado.
La obra se puede sintetizar aún más y se puede llevar su proceso de reducción al borde de la frontera con la nada, bajo el concepto de que la frase alquímica “(nosotros estamos) esperando a Godot” constituye una afirmación-respuesta a una pregunta. A la pregunta que la obra es. Y así, ¿cuál es, por ende, la pregunta cuya respuesta es “(estamos) esperando a Godot”? A mi entender, creo que es la misma pregunta que se repite varias veces en la obra y que epitomiza (que resume) en plenitud toda la obra en una sola frase de naturaleza interrogativa: “¿Qué estamos haciendo aquí?”, como metáfora de ¿A qué vinimos o para qué estamos, sabiendo que estamos de paso, en tránsito, en la Tierra?
Quiero resaltar que el recurso a la repetición o la recurrencia no es un elemento insignificante en un dramaturgo plenamente familiarizado con la creación poética y, sobre todo, con el valor de lo iterativo en la composición poética.
Y si esperando a Godot es la respuesta a esa pregunta, entonces discernir qué es o símbolo de qué es Godot, a mi juicio, es una de las claves en el proceso de comprensión de la obra.

III

Como Esperando a Godot se caracteriza por no cerrar del todo o no impedir posibilidades de interpretación divergentes entre sí, propongo a continuación mis tres lecturas (coexistentes y, por ende, no excluyentes) de la obra. La misma obra, a la que considero, por eso, de carácter polivalente, la interpreto de tres maneras a la vez, a saber:
Interpretación 1: Godot no es Dios, como muchos han creído ver, e insistieron, aún en contra de la opinión expresada en repetidas ocasiones por el propio Beckett. Godot es, en mi opinión, no un metáfora de Dios sino una metáfora de la Muerte —o del hecho de morir si se prefiere—, es decir, de la mortalidad como el rasgo (o mejor uno de los rasgos) que define la condición de ser-humano. Somos humanos, por ende, somos mortales. Por eso, el ser vulnerables a la muerte —el tener vida terrena finita—, es lo que nos hace, por definición, humanos. Por eso, la única certeza que compartimos todos es que vamos a morir. Todo lo demás es incierto. Porque la incertidumbre ya abarca tanto que lo abarca todo —y lo impregna todo— excepto el hecho de que existe el morir y de que, un día, aunque no sepamos de antemano cuál, vendrá a nosotros, y nos tocará. Y nos tocará, en los dos sentidos, en el sentido de “turno” y en el sentido de “tacto”. Y ésta es la razón por la cual Vladimir (Didi) y Estragón (Gogó) se preguntan varias veces “¿Qué estamos haciendo?” y también se contestan varias veces: “Esperando a Godot”, como única posibilidad, para ellos, de respuesta. Que es su modo de decir, “obviamente, estamos, como todos, esperando (a) la muerte”, esperando el momento que ella venga (a buscarnos). Y nos lleve. Porque a todos —lo sabemos— inevitablemente nos va a venir a buscar. Y esto es, aparentemente, lo único que nos hermana y que nos unifica. La “única” certeza, entre comillas. Porque todos, buenos o malos, ricos o pobres, crueles o bondadosos, altos o petisos, negros o blancos, miserables o generosos, todos, todos, en algún momento, vamos a dejar de existir. Entonces todos estamos esperamos —nos guste o no nos guste, lo sepamos o no lo sepamos, lo reconozcamos o no lo reconozcamos— a Godot.
Y esto también permite comprender por qué los dos protagonistas son vagabundos y pordioseros (en inglés, tramps). Porque es la manera que ella, la Muerte, nos ve a todos los seres humanos. Porque así ella (nos) iguala. Porque así nos ve a todos por igual como cuerpos vivientes sin objetos propios, sin pertenencias, sin nada —como los pordioseros—, sin posesiones, sin bienes, sin raíces, sin destino ni dirección fija —como los vagabundos—. Y al llegar, ella, la Muerte, no nos pregunta “a ver… a usted le hablo, dígame: ¿cuánta plata tiene?” o “¿cuántos bienes posee?” o “¿por dónde vive?” y en función de eso es que decide si nos lleva o no nos lleva. No, no pregunta nada y nos lleva igual, se tenga lo que se tenga… se viva dónde y cómo se viva. Y, además, para colmo, no es, en absoluto, sobornable. No dice “bueno, si usted me da tanto no lo llevo por ahora o lo llevo más tarde o cuando usted quiera”. Muchas cosas caen dentro de la esfera de elección de los seres humanos menos ésta. Y hasta podríamos re-titular la obra como Esperando irremediablemente a Godot.
Interpretación 2: Esta línea es menos metafísica y más terrenal. Está más ligada a la lectura de la obra en cuanto obra de arte que surge en (y es efecto de) un contexto sociopolítico muy peculiar —el derrumbe de “los grandes relatos”, el surgimiento de la teoría de la relatividad de Einstein y del principio de incertidumbre o de indeterminación de Heisenberg, el colapso del orden basado en la primacía del imperio británico, la disolución y rediseño de los mapas y de las fronteras entre las nacionalidades, el avance de la secularización, el inicio de la posmodernidad— y que, además, es en-sí un mensaje arrojado, desde un escenario, hacia ese mismo contexto sociopolítico. Y por eso tiene forma teatral. En este sentido, Godot es una metáfora del líder mesiánico, que se cree (que es) providencial, y al que se espera que llegue o al que se tiene la sensación de que está-por-llegar. Es el típico líder de masas propio de (o propicio a) las democracia de masas. Vladimir y Gogó son espejos de los sujetos emergentes —no necesariamente de la segunda guerra mundial sino, sobre todo, de la primera. Los que dieron base a los fenómenos de reconfiguración de la política europea en el período de entreguerras. Esto es, los seres que se moldearon en las trincheras, que se acostumbraron a obedecer, sin autonomía, sin voluntad propia, sin ocupación, sin oficio, sin educación cívica ni política, sin refinamiento cultural, desprovistos de todo, que tras la contienda, empezaron a deambulan sin destino y que están —porque no saben hacer otra cosa— “esperando a Godot”, es decir, a alguien que les diga qué hacer de acá en más, como hacía el jefe que tenían durante la guerra —esto es, una especie de “caldo-base” o ingrediente material en la génesis de los totalitarismos—. Pero resulta que la guerra terminó, y es por eso justamente que esperan a su Godot. Y por eso se da el surgimiento de estos nuevos movimientos populistas con fuerte impronta anti-republicana, con diversos matices pero con elementos identitarios comunes, a todo lo largo y ancho de Europa continental. Y eso explica, además, su condición o status de vagabundos-pordioseros, en situación de calle. Porque son sobrevivientes de la guerra, es decir, jóvenes que se hicieron hombres en situación de guerra y a la vez son “veteranos” de esa guerra, en un nuevo contexto de “paz” (o mejor dicho de no-guerra, de guerra “fría”) o, más elegantemente, de posguerra.
Algunos elementos visuales de la obra contribuyen y refuerzan esta interpretación. Por ejemplo, las botas. Las botas son, como sabemos, un calzado propio de los soldados. Y por eso el simbolismo de que Gogó hace el intento de “sacarse las botas” y no puede —porque no puede dejar, fácilmente, de tener las botas puestas—. En otra parte de la obra, se da cuenta, ante la mirada de Vladimir, de que, después de sacárselas, no le quedan bien, o no le van bien. Es que ha pasado el tiempo —esto es, el momento— durante el cual las botas le iban bien…le calzaban… Y la ropa andrajosa puede bien ser los restos de un uniforme ahora muy deteriorado o estropeado…
Interpretación 3: La obra ha asido deliberadamente concebida por Beckett de modo de renunciar, como autor, a dotar de significado explícito a su creación. Creación que, por ese motivo, se circunscribe o busca constituirse en enigma, en un ser-acertijo. Así Beckett induce un desplazamiento de la función de asignación de sentido del autor a los espectadores, dejando librado a éstos, la tarea de “descifrar” su (o sus) mensaje(s) implícitos, su contenido, su armazón filosófico o su para-qué. Esta renuncia aparente del autor a asignar un sentido claro es (o fue) también una fuente de distinción autoral y parte integrante de un conjunto de cualidades que hacen (o hicieron) a la obra, una obra intencionalmente de ruptura respecto de las convenciones de lo que (hasta ese entonces) era considerada como la tradición teatral. Por ejemplo, una obra sin trama, sin lo que hoy llamamos narratividad, sin argumento, sin línea temporal, sin el paso del tiempo, sin alusión a lugares discernibles, sin contexto, sin sucesos. Y así, se limita a ser-y-parecer una obra imitativa —por lo estático en un punto en el tiempo—, de las artes visuales que no tienen movimiento como el arte pictórico, el arte fotográfico o el dibujo no narrativo. Dos personas, uno al lado de otro, con cierto aspecto clownesco, en un punto incierto de un camino que no se sabe cuál es ni de dónde viene ni a dónde va, con un árbol atrás que hablan entre sí de cosas banales —eso parece ser todo lo que se ve—. De las cuales se omite hablar sobre su historia o del porqué de su situación. Según este punto de vista, el énfasis pasa entonces de la palabra Godot a la palabra esperando. Dos personas —y son dos y no una, para que sea posible la conformación estética de un diálogo— (y que simbolizan a la humanidad) están en espera de algo cuya verdadera identidad queda librada a la lectura de la obra. Puede ser esperando que (algún día) llegue la Justicia, esperando que (algún día) cambien las cosas tal como son, esperando “la buena porque la mala viene sola”, esperando salir del desamparo, esperando salir de la desatención de los gobiernos, esperando “en la lona”, “medio en bolas y a los gritos” saber qué va a pasar con esta desinserción de seres y comunidades, esperando ver (algún día) la conjunción del poder y la sensatez, esperando que las soluciones nos vengan por azar, o “de arriba”, o que las resuelva otro, o todo esto y mucho más a la vez, etc, etc. Lo central aquí pasa por realzar el hecho de que la obra pone en presencia el genérico acto de esperar, y lo que conlleva, esto es, el hecho de situarse, como actitud —y muchas veces como autoengaño— en el lugar de aquel que solamente espera o que carece de la capacidad de hacer otra cosa que ponerse en estado de esperar (esperar que ocurra algo en vez de causar ese algo). Hasta podría, en honor al minimalismo, retitularse la obra (tan sólo) como Esperando…

La puesta del Kronos Teatro es muy prolija. Y merece ser vista. Tanto por aquellos que nunca vieron una obra de Beckett como por aquellos que ya han asistido a alguna versión previa de Esperando a Godot. Es de destacar que esta puesta ha sido concebida para respetar y guardar concordancia con el minimalismo beckettiano, tanto en la carga objetal como en el uso del espacio escénico. En esto (en casi todo) se nota fidelidad a Beckett. La obra es fiel también a una traducción a la lengua española, profesionalmente desplegada, correcta, y expresada con buena dicción, que en el plano actoral muestra el corazón puesto en el escenario. Por todo esto es que considero que vale la pena ir a ver esta versión. Pero, además, se distingue y se aparta del original en algunos elementos, en los que es muy interesante poner atención.
En primer lugar, el joven personaje (masculino, en el original) de Estragón (Gogó) lo encarna una mujer (la actriz Raquel Ambrosino) que obviamente hace (muy bien) el papel de Gogó, esto es, no se feminiza al personaje ni se lo reversiona. Esto hace notar aún más que el énfasis de Beckett en la construcción de sus personajes es exhibir primordialmente su condición humana y no su condición de género. En este caso, dada la fidelidad al texto, queda “desapercibida” la condición de mujer (de la actriz que hace) de Gogó ante los ojos de Vladimir (Didi), el cual es encarnado, muy satisfactoriamente, por el actor Gustavo Mariscalchi.
En segundo lugar, la puesta tiene un elenco de tres actores en lugar de los cuatro de la pieza original. El tercer personaje es Pozzo (Raúl Mariscalchi) y el cuarto es Lucky, su esclavo-siervo-objeto. En la puesta, se tomó la decisión de representar a Lucky sin actor y sin cuerpo, ya que, en escena, es invisible y está “atado” a Pozzo, mediante una correa rígida y un collar (vacío). Y, además, en el segundo acto, favorece el hecho de que es mudo.
El tercer elemento a destacar de la puesta es la muy acertada elección de la música, un lenguaje que, con sus cualidades sensoriales y sugestivas, complementa muy bien al lenguaje-texto y al lenguaje-imagen y refuerza, junto con los haces de luz, sus climas y sus momentos de emoción.

Agradezco la colaboración y la amable gentileza de la fotógrafa villamariense María Laura Bellomo.

1 Esperando a Godot (1953) de Samuel Becket (1906-1989), es una obra teatral de adaptación escrita y dirigida por Julio Rodríguez. He asistido a la puesta en escena correspondiente al día domingo 13 de diciembre del 2009, fecha del estreno, en la sala La Salamandra Espacio Artístico, Ciudad de Villa María, Provincia de Córdoba, Argentina. La pieza teatral fue diseñada para ser representada por tres actores. El elenco actoral estuvo compuesto por Gustavo Mariscalchi (Vladimir), Raquel Ambrosino (Gogó) y Raúl Mariscalchi (Pozzo). El diseño del vestuario, la escenografía, el sonido y la iluminación estuvieron a cargo del grupo KRONOS TEATRO. La obra recibió el apoyo de la Municipalidad de Arroyo Cabral, Córdoba, Argentina.
2 Traducción: “SAMUEL BECKETT es al teatro moderno lo que James Joyce, su conciudadano irlandés y alguna vez empleador, es a la novela moderna: un padre y un santo patrón cuya sombra se alarga inescapablemente dentro del siglo XXI. Podría argumentarse, además, que Esperando a Godot (1953), la obra que lo hizo famoso, es la pieza teatral más influyente de los últimos cien años, la que cambió para siempre la forma y la dirección del drama”. The New York Times 2009.

http://www.revistalavoragine.com.ar/

FELIZ 2010

2009-12-24T11:51:00.003-03:00

FELICIDADES A TODOS, LOS QUE NOS ACOMPAÑARON Y LOS QUE NO, LOS QUE MANTUVIERON CON SU PASIÓN Y AMOR POR EL TEATRO, A NUESTRA SALA ACTIVA TODO EL AÑO, A GRUPOS DE NUESTRA CIUDAD COMO EL ELENCO MUNICIPAL, CHOMES, KESKESE, LOS IMPOSTORES, AL GRUPO KRONOS. A CLODET ESPECIALMENTE POR CONFIAR Y HACER SU ESTRENO NACIONAL AQUÍ.

GRACIAS, AL PÚBLICO, A LA GENTE QUE NOS BANCA CON EL ESFUERZO COTIDIANO, A LOS AMIGOS, A LOS QUE APUESTAN POR EL TEATRO A PULMÓN, INDEPENDIENTE HASTA LAS ÚLTIMAS CONSECUENCIAS.

GRACIAS A LEONEL GIACOMETTO, POR SU ESTAR PERMANENTE EN LA DISTANCIA.

A NUESTRO EQUIPO DE TRABAJO

A LOS ALUMNOS MARAVILLOSOS...

A JIMENA FERNANDEZ Y LAURA BELLOMO,

A IVÁN, JUANITO Y MARCELO

A TODOS!

FELIZ 2010

"El teatro solo puede funcionar como deseo, como ensayo en el que la vida tiene una justa coherencia, una armonía que nos mueve a desear la justicia como uno de los más preciado bienes, impracticable enteramente, y por lo mismo, sagrado"
Arístides Vargas

¡Feliz 2010!

Esperando a Godot de Samuel Beckett

2009-11-26T10:05:00.005-03:00

KRONOS TEATRO PRESENTA:

ESPERANDO A GODOT

De Samuel Beckett

"Esperando a Godot" es una clara muestra del teatro del absurdo, que refleja claramente los problemas de la incomunicación entre personas que pasan su vida juntas y solo encuentran lo mismo cada uno de los días de su existencia.Vladimir y Gogó, solo ven alterada la rutina de sus días cuando aparece Pozzo, al que nunca terminan de conocer.Una obra sobre la existencia misma en la que se espera la noche...se espera la muerte... se espera a Godot.

"No hablemos mal de nuestra época, tampoco hablemos bien...mejor no hablemos"

"¿Habré dormido mientras los demás sufrían?"

Funciones:

13 de diciembre 21 hs

18 de diciembre 21,30 hs

en " La Salamandra", Bs As 472, Villa María

Actúan:

Gustavo Mariscalchi como Vladimir

Raquel Ambrosino como Gogó

Raúl Mariscalchi como Pozzo

Diseño de vestuario, escenografía, sonido e iluminación: Kronos teatro

Puesta en escena y dirección: Julio Rodríguez

Aquyah Ora;" (no se puede contar lo que aún no sucedió)

2009-11-04T15:35:00.002-03:00

Aquyah Ora

(no se puede contar lo que aún no sucedió)

un espacio vacío.
una silla.
una mesa.
un cubo.
una actriz.un recipiente donde antes de entrar el público dejó papeles con palabras anotadas.
palabras alas alma intento desafío.
el todo en la nada.
algunos sonidos.
un reloj de arena que se da vuelta al comenzar. el tiempo y el no tiempo.
y una mujer buscando.
la experiencia es la búsqueda a partir de una palabra que se revela justo allí.
una mujer siendo cantada hablada soñada atravesada de momentos estados en puro presente.acecho del ego.
pulverizar máscaras.
invocación de lo invisible.
inaudible.
intáctil.
una mujer.
una ofrenda: el instante.

Actúa: Clodet
Lugar: Sala Mandra
(Bs. As 472 - Villa Maria)
13 de noviembre
21.30 horas

SEMINARIO DE TEATRO RITUAL EN VILLA MARÍA

2009-11-04T15:32:00.002-03:00

Seminario Intensivo
de Teatro Ritual
en Villa Maria

"Puesta en Ritual"

Noviembre 2009

Dicta: Clodet

Fecha y Hora:
Sab.14 y Dom.15
de Noviembre
de 10 a 18 horas

Lugar:
Universidad Popular
(San Martin y Sarmiento)

Costo del Seminario: $150

Seña: $50 / Saldo al dia del seminario: $100

-- Cupo Limitado --

Los interesados en compartir esta nueva experiencia por favor respondan a este mail con los siguientes datos: Nombre completo, DNI, Telefono y Mail.

-Confirmaciones hasta el 05 de noviembre-

Para mas informacion sobre el trabajo de Clodet por favor ingresar a:www.teatrodelatierra.com.ar
Para mas informacion sobre este evento: ´
tel: (353) 154 118 391

Gracias por participar y difundir el arte!!

"LUZ AZUL" De Rakhal Herrero

2009-09-27T16:36:00.005-03:00

"Luz Azul"
De Rakhal Herrero

Síntesis Argumental:

Las mellizas Ana Luz y Ana Azul Libil son las principales sospechosas del homicidio de Rodolfo Libil, su padre. En el transcurso de sus declaraciones irán narrando las más absurdas anécdotas familiares dejando en evidencia sus trastornos y obsesiones así como una enorme rivalidad entre ellas. La competencia, el resentimiento, la envidia, la intolerancia y el intento desesperado por demostrar sus respectivas inocencias las lleva a aprovechar ésta como la mejor de las oportunidades para culparse una a la otra.

Sobre el trabajo:
LuzAzul, surge como trabajo final de la cátedra de cuarto año de Actuación de la Instituto Integral de Arte, bajo la coordinación del profesor Sergio Osses.
Sobre la obra:
La obra del joven autor cordobés obtuvo el premio de dramaturgia D a 2 y el primer premio del público en el concurso organizado por la revista de artes escénicas el Apuntador y el Centro Cultural España Córdoba, 2005.

Nombre Elenco: Los Impostores

INTÉRPRETES:
MARIANA CHENNA
LAURA GÓMEZ
Director: Marcelo Bizzarri

Fechas y Horarios:
4 de octubre (21:30 hs) -
17 de octubre (22:00 hs.) -
30 de octubre (22:00 hs.) -
7 de noviembre (22:00 hs.)

Precio entradas: $10

KESKESÉ? A la Carta!!! 2009

2009-09-27T16:32:00.003-03:00

Luego de preparar y mezclar todos los ingredientes en seco, hacer un
hueco en el centro, depositar la levadura e incorporar la letra, con
onda, con ganas y condimentar a gusto. Dejamos descansar en un lugar
templado hasta que leudo (se volvió espumosa). Amasamos y estiramos
dejándola de un espesor de 5 o 6 mm aprox., cortamos con molde de
galleta y colocamos sobre placa aceitada. El horno ¡caliente! que ya
estaba para para bollos. horneamos a fuego lento de 5 meses (dimos
vuelta por si no se había cocinado bien por abajo)hasta que estén
crujientes.
Ya fuera de molde... estamos listos para estrenar......

KESKESÉ? A la Carta!!! 2009

Los artistas de teatro y variete, premiados con los Premios 5900
"Protagonista" como Grupo de Teatro, esta listo para presentar a los
espectadores de paladares exquisitos, nuevos trabajos...en octubre en
Sala Mandra!!!!

Caracterizados por sus puestas minimalistas, vestuarios desopilantes y
actuaciones grotescas cargadas de un humor particular, MARISABEL DEMONTE, VALERIA VALS, FERNANDA LAUDECINA, ROCIO OROZCO, LETICIA SORIA Y JUAN PABLO AMANTE.
Estarán dispuestos a que su público nuevamente
decida el orden y cantidad de menúes cada noche.

Sábado 3 de octubre
Sábado 10 de octubre
Domingo 18 de octubre
Sábado 24 de octubre
Sábado 31 de octubre
22 hs

“Te parten en 4… el corazón”

2009-09-25T10:40:00.004-03:00

“Te parten en 4… el corazón”

Chome´s and de cul

El Show recorre el cancionero clásico de boleros y rancheras de diversos artistas latinoamericanos Este género, caracterizado por ser pasional y dramático en sus letras, es utilizado como hilo conductor en el desarrollo de la puesta teatral en escena. La improvisación teatral es el nexo entre tema y tema y genera las situaciones conflictivas que hacen al desarrollo del trabajo.El espectáculo “Te parten en 4… el corazón” conjuga las artes teatrales con la música del citado genero, a través de situaciones y conflictos que surgen entre los integrantes del grupo musical “Chome´s and de Cull”, manifestando ante el público cuestiones intimas, convivencia, amoríos y problemas internos de Efrosinda, Filomena, Ubal Ubelto y Washintong Toribio.En esta ocasión además de festejar se premiados como revelación de 2008, por el premio Villamariense 5900 "protagonistas" se realizara una muestra fotográfica con producciones hechas para distintos medios de comunicación por cuatro artistas locales y se culminara la velada con una clase abierta de ritmos. Este soporte interactivo posibilitara que el público tenga una participación mas activa que la de mero espectador. *******************************

Grupo: “Chome´s and de Cull”

Actores:

Stefania Parsi

Pablo Velez

Juan Pablo Amante

Leticia Soria

Muestra fotográfica:

Rocio Orozco

Eduardo Kinteros

Salsa (bailarín)Franco Salgado

Asistencia Técnica: Diego Carriazo

Diseño Gráfico: Carolina Segre

Producción General: “Chome´s and de Cull”

VIERNES 25, SÁBADO 26 Y DOMINGO 27

22 HS.

EXTRAÑOS EN LA NOCHE, de esther Suarez Durán

2009-08-31T11:53:00.000-03:00

Ensayos del Elenco Municipal "Extraños en la noche"

2009-08-31T11:50:00.007-03:00

Estraños en la noche, de Esther Suarez Durán

2009-08-05T16:35:00.002-03:00

"La importancia de esta representación, estriba en su arrojo para evidenciar los impulsos de vida y muerte que irrenunciablemente nos habitan, y en transmitirnos que hay que demostrar mucho valor al tomar la decisión de vivir. "

ELENCO MUNICIPAL DE TEATRO

Actúan:

Leonardo Negro

Walter Stauble

Dirección: Mariana Britos

Todos los Sábados a partir del 08 de agosto hasta el 12 de setiembre, 22 hs.Sala Mandra
Bs.As 472Villa María, Córdoba
Argentina

PoesÃÆÃÂa en libretitas - Noticias de Villa Maria - El Diario del Centro del PaÃÆÃÂs Online - Villa Maria, Cordoba, Argentina

2009-08-05T16:31:00.001-03:00

PoesÃÆÃÂa en libretitas - Noticias de Villa Maria - El Diario del Centro del PaÃÆÃÂs Online - Villa Maria, Cordoba, Argentina

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Nota del Diario

2009-08-05T16:28:00.005-03:00

http://www.eldiariocba.com.ar/noticias/nota.asp?nid=13407

Fernando Peña....UN LARGO ADIOS

2009-06-18T18:21:00.006-03:00

Mario Pergolini habló hoy en la radio sobre el tema y dijo que lo lamentaba mucho. Pero ayer, luego de enterarse de la triste noticia, prefirió escribir algunas líneas para recordarlo.

Irse… de a poco o rápidamente

No me gusta mucho escribir despedidas. O Necrológicas. No me gusta escribir sobre lo inevitable y mucho menos de la mirada que a uno le deja la gente que se va. Por vaya uno a saber que extraña yunta, muchas personas que he conocido se han ido. Y juro no tener la edad de mis abuelos o de mis padres como para ya tener tantos muertos a cuestas. He vivido alguna parte de mi vida muy parecida a la de estos hoy muertos y a pesar de todo siempre sigo lamentando al que se va por vivir tan rápido. Será que veo la vida con otros ojos (tal vez con sus pupilas más en su lugar) o tal vez el tiempo me sacó un poco el calor en las venas y puso frialdad en la mente, pero hoy en día lamento la muerte del tipo que intentó correr más rápido que todos.

Lamento mucho Peña que te haya gustado más la vida al final que cuando la pusiste en juego. Se de la lucha que tuviste con vos mismo por haberte convertido en es piloto de carreras de tu propia vida, pero tengo que admitir que te escuché muchas veces que así te parecía que había que vivir. Lamento que justo ahora que la tenías más a mano, se te escapara la vida de tu cuerpo para demostrar, tal vez injustamente, que vivir agitado es sólo para los jóvenes y sólo por un ratito.

Me acabo de enterar que te moriste en una clínica cerca de la radio. Me acordé que te tenía que llamar, que me viniste a visitar al estudio hace poco. Me acordé que me tenía que acordar de tenerte en cuenta, peo la muerte me gano de mano. A vos también. Lo lamento, te juro que en este momento de tremenda soledad tengo tiempo para lamentarlo. No es justo que los artistas, o lo que hayas sido, sufran su talento, el que fuera, y no tengan forma de disfrutarlo. No me parece bien esta montaña rusa en la que te pusiste. Siempre se pierde. Creo que nunca se gana. Estoy empezando a estar un poco cansado de los muertos jóvenes.

Me imagino que te hubiese gustado ver lo que pasó con la noticia de tu muerte. Bueno te digo que tus amigos Lalo, Elizabeth, Quique y los de la radio en las que trabajabas ya te están llorando. Que los noticieros hablan del loco lindo que fuiste y los programas de chismes no saben que hacer, porque están totalmente desconcertados ya que vos filmaste como te morías, y esa apuesta ya es difícil de subir. La señora que te había hincado una demanda porque le apoyaste tu miembro en el teatro, lamenta no poder seguir con el juicio.

Yo no sé que decirte. La lista de muertos aumenta y siempre pienso que sería mejor que se muera gente sin talento o los menos jugados, los que van a lo seguro, los tibios.

Guardaré tu chal olvidado adrede en mi ya inexistente oficina de Cuatro Cabezas. Creo que lo voy a regalar.

Fue un gusto haberte conocido. Fue loco ver tanto exceso junto, justo cuando yo ya no era eso. Gracias por el cariño y el respeto. Te van a velar en la Legislatura de la ciudad, je. Las voces que inventaste en la radio seguro que estarán puteando y riéndose de esto.

Descansá como quieras, pero descansá.

Mario Pergolini

Buenos Aires, 17 de junio de 2009

Fuente: Primiciasya.com

VAMOS A EXTRAÑARTE, LOCO BELLO!!!!!!!!!!!!!

NUESTRO ADIÓS A AUGUSTO BOAL

2009-05-03T18:32:00.001-03:00

Nuestro adiós a Augusto Boal

Carlos Ianni, CELCIT

El dramaturgo brasileño Augusto Boal, Embajador Mundial del Teatro de la UNESCO, falleció ayer en Río de Janeiro a los 78 años, a causa de una insuficiencia respiratoria, informaron sus familiares.El fundador del llamado "Teatro del Oprimido", un revolucionario método de enseñanza teatral y de escenificación, sufría leucemia y estaba internado desde el pasado martes por problemas respiratorios, informó EFE.Entre 1971 y 1980 escapó de la persecución del régimen militar brasileño y vivió exiliado en Argentina, Estados Unidos y en Francia, donde enseñó sus técnicas en la parisina Universidad de La Sorbona.El "Teatro del Oprimido" supuso la semilla de algunas corrientes del teatro moderno que convierten al espectador en parte activa de la pieza teatral.El pasado marzo, ya aquejado y debilitado por el cáncer, recibió el reconocimiento de "Embajador Mundial del Teatro" de la Organización de Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura (Unesco).Augusto Boal (Río de Janeiro, Brasil, 16 de marzo de 1931-2 de mayo de 2009), dramaturgo, escritor y director de teatro brasileño, es conocido por el desarrollo del Teatro del Oprimido, método y formulación teórica de un teatro democrático. Fue para el Premio Nóbel de la Paz 2008.De sus estudios en EEUU a su exilio (1953-1971)En 1953 se traslada a los EEUU con la intención de cursar estudios de Ingeniería Química, pero terminará por estudiar teatro. Escribe obras teatrales y las escenifica con el “Writer’s Group”, una asociación de jóvenes escritores. Entre ellas la casa del otro lado de la calle en la que se va configurando los rasgos característicos de su obra.En 1955 vuelve a Brasil y asume la dirección artística del Teatro de Arena en São Paulo donde funda, junto con Gianfrancesco Guarnieri, el Seminario de Dramaturgia del Teatro de Arena (1958-1961). En 1960 escribe Revolución en América del Sur escenificada en 1961 en el teatro de Arena, en la que el protagonista, José da Silva, un hombre del pueblo, es víctima de toda clase de explotaciones por clase dominante. De esta época son José, del parto a la sepultura, la adaptación de la obra de Lope de Vega El mejor juez, el Rey (Boal, Guarnieri, Paulo José), Juicio en el nuevo sol (Boal e Nelson Xavier) y Golpe a galope (adaptación de “Condenado por desconfiado” de Tirso Molina). En 1965, junto a Guarnieri inicia la serie Arena Conta, en la que narra a través de personajes históricos brasileños la lucha por la liberación del pueblo.La dirección del show Opinión despertó su interés por los musicales. Surgen, así, Arena canta Bahía (con Maria Bethânia, Gal Costa, Caetano Veloso, Gilberto Gil, Tomzé y Piti), Tiempo de guerra y Sergio Ricardo puesto en cuestión.De 1968 son Tío Patinhas e a Pílula y Luna pequeña y la caminata peligrosa dedicada a la lucha del Che Guevara en Bolivia. En 1969, en plena dictadura, escribe Bolívar, labrador del mar.Sus años de exilio (1971-1980)A principios de 1971 es preso, tras su liberación debe exiliarse en Argentina, allí escribe Torquemada donde habla de la prisión y del sistemático uso de la tortura. En Buenos Aires monta representaciones de piezas teatrales, da conferências y realiza investigaciones sobre el Teatro del Oprimido en toda América Latina.De la década del 70 son también Milagro en Brasil y Crónica de nuestra América, las adaptaciones de La tempestad (Shakespeare) y Mujeres de Atenas (Aristófanes) con músicas de Manduka y Chico Buarque, respectivamente, y las adaptaciones de algunos cuentos de Crónicas de Nuestra América- La mierda de oro o El hombre que era una fábrica y La mortal inmortal. En 1976 escribe Jane Spitfire. En este año se traslada a Portugal.En 1978 Boal es invitado por la Sorbonne para dar clases de Teatro del Oprimido. Se traslada a Paris donde funda el Centre d’etude et difusión des techniques actives d’expression dedicado al estudio y difusión del Teatro del Oprimido. En 1979 Boal funda el Centre du Theatre de l’opprime.Boal dirige Boses Blut, de Griselda Gambaro, en el Schauspielhaus de Nurngerg, Das Publiku de Garcia Lorca, en el Schauspielhaus de Wuppertal y, en el Schauspielhaus de Graz, Mit der Faust In offener Messer (de su autoría), Zumbi (coautor con Guarnieri e Edu Lobo) y Nicht Mer Nach Calingasta de Julio Cortázar, Cândida Erendira de Garcia Marquez, en el Théâtre Nacional de l’Est Perisien, Latin-American Fair of Opinion en Nueva York.De la vuelta al exilio a la actualidad (1980-2009)En 1980 Boal lleva a Brasil el Teatro-Fórum con su grupo del CTO-Paris. En 1986 vuelve a Brasil para dirigir la Fábrica de Teatro Popular, a propuesta del Estado de Río de Janeiro, cuyo objeto era tornar accesible a todos el lenguaje teatral, como método pedagógico y forma de conocimiento y transformación de la realidad social. Pero este proyecto queda truncado con el cambio de gobierno. Surge, entonces, el C.T.O. (Centro de Teatro do Oprimido do Rio de Janeiro) con el objetivo de realizar estudios teórico-prácticos del Teatro do Oprimido. La discusión sobre la ciudadanía, la cultura y sus varias formas de opresión son expresadas a través del lenguaje teatral.En 1990 con el espectáculo Somos 31 millones ¿y ahora? se consolida definitivamente el CTO-Rio. Desde entonces, Boal y su grupo trabajaron junto a organizaciones que luchan por la libertad, igualdad y los derechos humanos. Ese mismo año edita Méthode Boal de Théâtre et de thérapie l´arc-en-ciel du desir donde muestra las nuevas técnicas introspectivas de teatro-imagen.En 1992 se candidatura y es electo concejal con la propuesta de trabajar teatralmente los problemas vividos por el ciudadano común y discutir en las calles las leyes de la ciudad de Río de Janeiro. Después de haber transformado al espectador en autor con el TO, inicia el proyecto Teatro Legislativo, transformando al elector en legislador.En 1999, monta una sambópera sobre la ópera Carmen de Bizet, en el CCBB, y en el 2000 la representa en el Palais Royal de París. En ese mismo año intensifica, con el CTO-Rio, el trabajo dentro de las prisiones de Sao Paulo.Su libro Teatro do Oprimido y otras poéticas políticas, ha sido traducido a más de 25 lenguas.Llevaba a cabo un proyecto nacional en colaboración con el MST (Movimiento de los Trabajadores Rurales Sin Tierra) que se llevará a cabo en 15 estados de Brasil.

Extraños hábitos! ya viene!

2009-05-01T13:46:00.003-03:00

EXTRAÑOS HÁBITOS
Elenco Municipal de Teatro de Villa María
Sabados 9,16, 23 y 30 de Mayo 22.00hs.
Elenco:
Leonardo Negro como Juan,
Samuel Figueroa como Pepi,
Rocio Harispe Como Virginia,
Melina Gamboa como Maria 2,
Marcelo Vigliano como Iñiguez,
Mariana Britos como Brigitte,
Barbara Pozkus como Maria
Dirección: Walter Stauble

NO AL CIERRE DEL TEATRO LA LUNA!!!!!!!!!!!!!!!!!

2009-05-01T13:45:00.000-03:00

En un hecho inédito en nuestros 23 años de historia, el viernes 24 de abril, hemos sido clausurados por inspectores municipales, en medio de un procedimiento completamente viciado de irregularidades, donde se alude a una supuesta falta de habilitación municipal por parte del teatro, que no es tal. Un procedimiento donde no faltaron las amenazas y la descalificación del público mediante expresiones discriminatorias.Nos hizo recordar viejos tiempos de Dictadura…Funcionarios de Espectáculos Públicos, en franca actitud intimidatoria, se negaron a revisar la documentación que avala el funcionamiento de la Sala, y sin que mediara razonamiento alguno, se procedió a cerrar este Centro Cultural y a dispersar nuestro público como si se tratara de una reunión ilegal, en un accionar en el que se avasallaron unos cuantos derechos que nos asisten.Amenazaron con “volver siempre” todos los fines de semana. Y hasta objetaron que no hubiera personal de seguridad en nuestro ingreso (¿un “patovica”? … ¿con quiénes nos habrán confundido?).Las máximas autoridades de Cultura, al tomar conocimiento, han expresado sus disculpas y hasta han manifestado no tener nada que ver con este proceder.Pero La clausura sigue y no se nos han restituido nuestros derechos a accionar culturalmente en nuestro propio teatro, si no que se nos pide, mediante intimación del Tribunal de Faltas, a que concurramos al mismo organismo que nos atropelló tan burdamente, esto es, a la Dirección de Espectáculos Públicos de la Municipalidad de Córdoba, para que vuelva a inspeccionarnos. Es decir, para que hagan una segunda inspección verificando lo que no quisieron verificar antes.Esto que sucede en TEATRO LA LUNA, forma parte de un estado de cosas que ha llegado a un límite pocas veces visto en democracia y es síntoma de la parálisis y desarticulación que vive todo el sector público de la Cultura de Córdoba y de sus Centros Culturales sin rumbo, donde parece que la impotencia ha ganado la batalla a sus autoridades.El cambio y recambio de Personal Directivo, también ha sido, una muestra de esta falta de Plan y Política Cultural, que lamentablemente, ya es epidemia en la ciudad desde hace varios años.Queremos anunciar que seguiremos trabajando como lo hemos hecho siempre, sin papeles o con papeles, puesto que ninguna burocracia municipal podrá detener a quienes hacemos cultura libre en Córdoba, ni podrá ocultar, el desmanejo del que estamos siendo víctimas junto a toda la ciudadanía. Por lo tanto nuestras actividades culturales se desarrollarán en otros marcos. No dejaremos que la ideología y las políticas culturales de nuestro espacio sean definidas desde afuera.Pensamos, luego de dolorosas evaluaciones, que nos encontramos inmersos en una burocracia que dificulta y no propicia la creación. Que las salas de Teatro Independiente están indefensas si no se aplica la ordenanza que nos regula.Seguimos pensando que hay que trabajar inclusivamente, que todos tenemos derecho al Arte y a engrandecer nuestra cultura. Que las poblaciones de zonas con menos oportunidades deben ser consideradas e incluídas con sus estéticas, sus formas de habitar el barrio y las calles y que la construcción de la cultura también se nutre de decisiones como ésta.Agradecemos infinitamente el apoyo recibido por compañeros, artistas de todas las disciplinas que nos han brindado su aliento y nos han asistido y aconsejado.SR. INTENDENTE Y AUTORIDADES DE CULTURA: SI NO HACEN… AL MENOS DEJEN HACER.LOS QUE REPUDIAMOS EL CIERRE DE TEATRO LA LUNA, FIRMAMOS AL PIE, AGREGANDO NUESTRO DNI Y LUGAR DE RESIDENCIA.LA IDEA ES QUE LO COPIEN COMO NOTA, AGREGANDO SUS DATOS. ASÍ TODOS TENEMOS ESTA NOTA.PORFA, HÁGANLO!!!

"EXTRAÑOS HÁBITOS"

2009-04-18T14:47:00.002-03:00

INICIO DE TEMPORADA "EXTRAÑOS HÁBITOS"

2009-04-12T19:27:00.004-03:00

EXTRAÑOS HÁBITOS

Elenco Municipal de Teatro de Villa María

Sabados 9,16, 23 y 30 de Mayo 22.00hs.

Elenco:

Leonardo Negro como Juan,

Samuel Figueroa como Pepi,

Rocio Harispe Como Virginia,

Melina Gamboa como Maria 2,

Marcelo Vigliano como Iñiguez,

Mariana Britos como Brigitte,

Barbara Pozkus como Maria

Dirección: Walter Stauble

NO SE LA PIERDAN!!!!!!!!!

TALLERES 2009

2009-02-28T10:30:00.002-02:00

LOS TALLERES SON DICTADOS POR ACTORES, MÚSICOS QUE ADEMÁS SON PROFESORES EN DICHAS MATERIAS.

Taller de teatro Infantil (niños desde 6 a 12 años)

El taller infantil está basado en el juego y la práctica, donde se acerca a los niños al autoconocimiento, incentivando la creatividad, el trabajo en equipo y trabajando directamente en la autoconfianza; dándoles así, las herramientas de actuación suficientes no solo para desempeñar un personaje, sino para interrelacionarse con el mundo de forma efectiva.

Taller de Teatro Adolescentes

La actuación se orienta fundamentalmente desde la actividad lúdica a incorporar técnicas actorales, a ejercitar la capacidad del alumno para vincularse integralmente [cuerpo, intelecto y emoción] consigo mismo, con los compañeros y con el espacio a través de los elementos técnicos de la improvisación: acción – objetivos – circunstancias – entorno. Se entrena la escucha, la atención, la adaptación, la imaginación y la integración.

Taller de Teatro Adultos

Básicamente se trabaja sobre los mismos ejes que los talleres anteriores, solo que adaptado a las necesidades y edades de los participantes.

Taller de Iniciación musical para niños

El taller muestra un universo distinto, el musical.Desde lo lúdico se inserta a los niños en otras realidades, en mundos sonoros, en la rítmica.Este taller consta de un espacio en el que se dicta juego teatral.

Taller de escritura creativa con orientación teatral

Clases individuales de actuación.

ESTÁN ABIERTAS LAS INSCRIPCIONES
LOS TALLERES SE ABRIRÁN SI SE CUENTA CON UN CUPO MÍNIMO.
NO SE COBRARÁ INSCRIPCIÓN.

La sala está siendo refaccionada, es por eso que no se atiende en la misma.

OTROS SERVICIOS: alquiler de sala para ensayos. Consultar disponibilidad horaria.

PARA MÁS INFORMACIÓN COMUNICARSE: roxana.sella@gmail.como al tel 0353-154190431

El círculo abierto, experiencia inolvidable

2009-02-18T13:00:00.005-02:00

¿Que es El Círculo Abierto?
El círculo abierto es una experiencia que se desarrolla hace muchos años, con personas de distintas disciplinas dentro del arte, la educación, las ciencias, las terapias, etc. Es circular porque nos convocó la vida, y abierto porque la experiencia creativa nunca se agota, nos renueva y nos transforma. Se apoya en el Ritmo, como ley fundamental del universo que está detrás de todas las cosas provocando la salida de la rutina, la expansión de las emociones y el movimiento en espiral.

"La célula de esperma avanza a impulsos rítmicos y se une al óvulo.

Las moléculas de DNA danzan juntas. Las concentraciones de campos a modo de impulsos inician una interacción, se multiplican y se diferencian dando como resultado una nueva pauta, algo único en el universo: un nuevo ser!

Recordándolo todo, ese ser recorre las diversas etapas de la evolución terrenal, acompañado en todo momento por el poderoso latir del corazón de la madre. Se ve sacudido en lo más profundo por esas pulsaciones, que le prometen sentido, plenitud, sincronía. Seguro en este ritmo, su propio corazón va tomando forma y comienza un latido de respuesta.

Tan pronto como es posible después del nacimiento, la madre coge al niño en brazos y le pone la cabeza contra su corazón. El ritmo continúa allí, un latir seguro y fiable con el que medir el flujo de crecimiento y cambio.

Posteriormente habrán otros ritmos, otras relaciones, pero siempre permanecerá un profundo conocimiento de esos primeros momentos, un recordatorio de que es el ritmo lo que sostiene la vida y subyace bajo toda modalidad de existencia".

Por muchas que sean nuestras imperfecciones, en el fondo de todos nosotros existe un pulso silencioso de ritmo perfecto, un complejo de formas de ondas, vibraciones y resonancias, absolutamente individual y único, y que sin embargo, nos conecta con todas las demás cosas del universo. El acto de ponernos en contacto con este pulso puede transformar nuestra experiencia personal y de un modo u otro, alterar el mundo que nos rodea".

Hay sociedades humanas tan simples y poco adornadas como para no poseer más ropas que el taparrabos, más herramientas que el palo o la `piedra, como carecer de morada permanente, de esculturas o de cualquier otro tipo de arte plástico, pero en ningún lugar de este planeta se encontrará un pueblo sin música y sin danza.

En Nueva Guinea un jefe tribal arranca sonidos hipnóticos a una especie de arpa formada por escarabajos vivos y zumbantes, en otro extremo del mundo los pigmeos de la raza Ba Mbuji, despiertan a la jungla con felices cantos y palmadas, en el Himalaya, los músicos de los templos estremecen a los valles con el espeluznante sollozo de trompas de veinte pies de longitud, mientras que los sacerdotes que meditan consiguen en una sola voz la emisión de tres tonos simultáneamente, y en trinidad y en el central Park de New York, los músicos de las indias occidentales arrancan ritmos de calipso a las tapas de bidones de petróleo usados…es la fiesta global de los sonidos!¡ Un mundo en perfecta armonía!

Contemplando las pirámides y las catedrales, las fábricas y los rascacielos, las ciudades y los imperios, podríamos llegar a mostrarnos de acuerdo con la opinión que el “ser humano es un constructor nato”, y que los hombres seguirán construyendo hasta que los prados se vean coronados por altos edificios de hormigón. Sin embargo, esta opinión no se ve corroborada por los registros antropológicos. Lo único cierto e incontestable es que el ser humano es un cantante y danzante nato. Culturas ricas y complejas existieron durante al menos un millón y medio de siglos sin pirámides ni catedrales, y resulta concebible un futuro sin edificios elevados,. Pero una humanidad sin música no es que resulte inconcebible, sino que es imposible.

En el fondo de todas las modalidades de energía y movimiento, en el mismo centro de la propia existencia existe la música, pero sobre todo está ese “juego de frecuencias modeladas contra la matriz del tiempo”: EL RITMO.

Hace 2500 años Pitágoras sentenció; la piedra no es más que ritmo petrificado.

Hoy la ciencia dice que: TODA PARTÍCULA DEL UNIVERSO FÍSICO DERIVA SUS CARACTERÍSTICAS DEL TONO, PAUTA Y ARMONÍA (RITMO), DE SUS FRECUENCIAS PARTICULARES DE SU “CANTO”.

La música no es más que el reflejo sonoro de la estructura del mundo, que explícita la cualidad rítmica de todas las cosas.

La música es una miniatura de la armonía del universo entero, porque la armonía del universo es vida en sí misma, y el hombre, siendo a su vez otra miniatura del mismo universo, muestra acordes armoniosos o desafinados en su pulso, el ritmo cardíaco, en sus vibraciones, ritmo y tono.

Alcanzar la espiritualidad significa comprender que todo el universo es una sinfonía; en ella cada individuo es una nota y su felicidad estriba en afinarse perfectamente a la armonía del cosmos.

MAESTROS: CARLOS GIANNI Y RUBÉN SEGAL
Próximo encuentro: Ya tenemos la fecha del próximo círculo!!!! Será el 10, 11 y 12 de abril 2009, coincidiendo con Semana Santa. Nuevamente en el Ashram Piedras del Sol www.ashrampiedrasdelsol.es.tl/ EL CUPO EL LIMITADÍSIMO. Los esperamos!!! http://elcirculoabierto.blogspot.com/ Tel: (0351) 15 55-78587 entrenamientoritmico1@gmail.com

NATIVA ENERO 2009

2009-01-14T12:02:00.003-02:00

Gordon Craig
Y su concepción del actor, “LA SUPERMARIONETA”
De Roxana Sella, profesora de Artes en teatro, actriz.

Edward Henry Gordon Craig (16 de enero de 1872-29 de julio de 1966), conocido también como Gordon Craig, fue un actor, productor, director de escena y escenógrafo británico.
Hijo ilegítimo del arquitecto Edward Godwin y de la actriz Ellen Terry, Craig nació con el nombre de Edward Godwin el 16 de enero de 1872, en la calle Railway, en Stevenage en Hertfordshire (Inglaterra. Más tarde, a los 16 años, fue bautizado como Edward Henry Gordon. Tomó el apellido Craig a la edad de 21 años.
En 1893, Craig se casó con May Gibson y tuvo cuatro hijos: Rosemary, Robin, Peter y Philip. Con su amante Elena Mee tuvo dos hijos, Nelly y Edward Carrick (1894- ), director artístico para el cine británico. También tuvo una relación con la bailarina Isadora Duncan, de cuya relación nació Deydre.
Trabajó como actor en la compañía de Sir Henry Irving, aunque se inclinó por el arte llegando a aprender a trabajar la madera de la mano de James Pryde y William Nicholson. Su carrera como actor terminó cuando comenzó a trabajar como escenógrafo, en 1897.
Sus primeras producciones fueron la ópera de George F. Handel Acis y Galatea y Los vikingos de Henrik Ibsen, ambas estrenadas en Londres. Aunque ninguna de las dos recibieron el respaldo del público, sí daban una idea de revolucionario estilo artístico de Craig. En estos primeros montajes el diseño destacaba por su minimalismo, focalizando la atención sobre los actores y la iluminación. Además, introdujo la idea de unidad conceptual que acompañó toda su producción.
Después de hallar tan escaso apoyo económico en Inglaterra, Craig se trasladó a Alemania en 1904. Allí escribió su famoso ensayo El arte del teatro. También en Alemania conoció a Constantin Stanislavsky y trabajó en su famosa producción de Hamlet con el Teatro de arte de Moscú de 1912. Más tarde, Craig se traslada a Italia donde crea una escuela de escenografía con el apoyo de Lord Howard de Walden.
Sus ideas han dejado un legado importantísimo para la práctica teatral contemporánea. Entre ellas destaca el uso de los elementos escénicos en el montaje (escenografía, vestuario, iluminación, etc.) de forma que trascienda la realidad, en vez de tan sólo representarla como ocurre en el Realismo escénico. Estos elementos pueden crear símbolos con los que se puede comunicar un sentido más profundo. Relacionado con esta idea está el concepto que le haría famoso, la concepción del actor como Supermarioneta. Craig consideraba que el actor era como un elemento plástico más con capacidad de movimiento.

LA SUPERMARIONETA.

Gordon Craig se plantea si ACTUAR es un ARTE y si el ACTOR es un ARTISTA, en esta hipótesis se basa y fundamenta su idea monumental.
Plantea que este tema es de discusión de grandes filósofos, de entendidos o no, pero que el actor nunca participa de dichas discusiones.
Critica a los que afirman que la actuación y el actor no son Arte ni Artistas ya que sus argumentos no son convincentes.
Explica la lógica de un hecho curioso que puede ponerse en discusión; si actuar no es un arte, es inexacto hablar del actor como un artista.
Todo lo accidental es enemigo del artista, el arte es la antítesis absoluta del caos, este provoca el nacimiento de hechos accidentales.
El arte tiene un propósito. Para producir una obra de arte solo se puede trabajar con materiales que estamos en grado de controlar. El hombre no es uno de esos materiales.
La naturaleza humana tiende a la libertad, el hombre en su propia persona no es un material utilizable para el teatro, es inutilizable.
En el teatro moderno se utiliza como material al “cuerpo de hombres y mujeres, todo lo que representa es de naturaleza accidental: las acciones físicas de un actor, la expresión de su rostro, su voz, están a merced de sus emociones. El actor se vuelve súcubo de la emoción que invade sus miembros, los sacude como quiere. El está totalmente en su poder, se mueve como presa del delirio o como un loco, tambaleando acá y allá; la cabeza, los brazos, los pies, si bien no están totalmente fuera de control, oponen poca resistencia al torrente de las pasiones; que pue¬den ceder y hacerle dar un paso en falso de un momento a otro. Muchas veces el cuerpo rechaza obedecer a la mente cuando la emoción se enciende, mientras la razón no hace más que alimentar el fuego de la s emociones. En un instante, antes que la mente tenga tiempo de gritar y de protestar, la pasión ardiente se adueña de la expresión del actor. Ella se distorsiona, varía, oscila y se agita, es empujada por la emoción hacia abajo por la frente del actor, entre los ojos, hasta la boca; ahora él está totalmente a merced de la emoción y grita: " ¡Has de mí lo que quieras!" Su expresión se pierde en el tumulto loco y he aquí: "¡Nada nace de la nada!" A la voz del actor sucede lo mismo que a sus movi¬mientos. La emoción la ahoga y la obliga a conspirar también ella, en contra de la razón; la altera de tal manera que el actor da la impresión de una emotividad discordante.
La emoción según Craig no es el alma de los Dioses, ni es lo que el artista aspira a producir.
Toda emoción desordenada, todo sentimiento accidental, no tiene valor.
La mente del actor tiene menos poder que sus emociones, la mente se vuelve esclava de las emociones, por consiguiente el actor sufre continuos inconvenientes.
La emoción es la causa que antes crea y luego destruye.
El arte para Craig, no admite hechos accidentales, entonces lo que el actor da, no es una obra de arte sino una serie de confesiones fortuitas. Antiguamente, el cuerpo humano no era material en el arte del teatro, las emociones de hombres y mujeres no eran consideradas un espectáculo apto para las multitudes. (Ejemplo del elefante y el tigre)
Considera que no hay nada más desagradable que exponer en un escenario a hombres y mujeres, haciéndoles exhibir lo que los artistas rechazan mostrar, sino en una forma dispuesta por ellos.
Continúa argumentando y ejemplifica con “El hombre de cultura”, autor, y el “hombre de temperamento” actor, y como aquél manipula a este, lo compara como una comedia entre el autor y el actor. El actor declamando los versos, haciendo una magnífica publicidad del arte de las letras; después del aplauso, OLVIDADO. El autor piensa, lo aprovecha, utiliza a hombres encantadores, que su instrumento sean humanos, no tiene importancia, les fueron útiles. Se asiste así al espectáculo de un hombre contento en expresar pensamientos a los que otros les dieron forma, esto es por su vanidad, por sentirse halagado, pero la vanidad no razona.
Gordon Craig compara los procedimientos de un artista plástico – pintor- y de un actor, el pintor trabaja con la esencia de las cosas, con procedimientos claros, el actor, ve la vida como una cámara de fotos, se esfuerza por reproducir a la naturaleza, no aspira nunca a crear, no puede ofrecer al publico el espíritu, la esencia de una idea, solo muestra una copia sin arte, es un imitador, no un artista.
En su libro el “Arte Teatral”, utiliza un diálogo imaginario en el que participan un pintor, un músico y un actor, en el cual, se deja en claro la naturaleza de las artes, y la idea de Craig del no arte del actor.
Craig aspira a algo tan opuesto como la vida tal cual la vemos. “Esta vida de carne y sangre, que todos nosotros amamos, no es para mí otra cosa, más que un escudriñar y más adelante un demostrarle al mundo, aun en forma convencional. Creo que nuestra aspiración tiene que partir más bien de una lejana y breve visión de aquel espíritu -que llamamos muerte; para con ello, evocar cosas bellas del mundo imaginario; dicen que son frías aquellas cosas muer¬tas, yo no lo sé; seguido se parecen más cálidas y más vivas de lo que se ostenta Como vida. Sombras o espíritus me parecen su más bellos y vitales que hombres y mujeres, enviciados en mezquinidad, objetos inhumanos, enigmáticos: gelidísimo hielo, misérrima humanidad. Si consideramos por bastan¬te tiempo las cosas de la vida, ¿no descubriremos tal vez que no son ni bellas, ni misteriosas, ni trágicas, sino inertes, melo¬dramáticas y desabridas que conspiran contra toda vitalidad, contra todo calor? Y de estas cosas a las que falta el sol de la vida, no se puede sacar inspiración. Por el contrario, de aque¬lla vida misteriosa, gozosa, de perfección extrema que se lla¬ma muerte; vida de sombras e imágenes desconocidas donde no es cierto que todo sea oscuridad y niebla tal y como uno se imagina, se pueden obtener vívidos colores, vívida luz, níti¬das formas; poblada de figuras extrañas, fieras solemnes, sosegadas, empujadas hacia una maravillosa armonía de movimiento: de todo esto es posible encontrar inspiración. Y todo esto es algo más que una simple realidad efectiva. De esta idea de la muerte que parece una especie de primavera, una flores¬cencia; de este paraje y de esta idea puede llegar una inspira¬ción así de vasta que, con decidida exultación, me lanzo hacia ella; y - ¡miren!- en un instante, me encuentro con los brazos llenos de flores. No doy un paso o dos y nuevamente la abun¬dancia me rodea. Cruzo sin fatiga un mar de belleza, navego donde quiera que los vientos me lleven; allá no hay peligro. Este es mi sueño; pero todo el teatro del mundano se identi¬fica con mi persona, ni con un centenar de artistas o actores, sino con algo bastante diferente: Por esto mis aspiraciones personales cuentan poco. A pesar de ello la meta a la que tiende el teatro en general es la de reintegrarse al arte que le es propio; se necesitaría entonces comenzar con echar del teatro esta idea de la personificación, esta idea de reproducir la naturaleza; ya que, mientras tanto ella se quede en el teatro, éste no podrá jamás volverse libre. Los actores deberían edu¬carse siguiendo las normas de una enseñanza menos actual si los principios aun más antiguos y más bellos son demasiado difíciles para empezar y así evitarían aquel loco deseo de in¬troducir la vida en su trabajo, 'porque siempre esto quiere decir llevar en escena gestos excesivos, una mímica presumida, discursos altisonantes y una escenografía deslumbrante, en la vana y desenfrenada ilusión que con un sistema de ese tipo se pueda, mágicamente, evocar la vitalidad. Lo cual en pocos casos a confirmar la regla, se logra y sólo fragmentariamente. Resulta imparcial a las impetuosas personalidades de la esce¬na. Para ellos es un verdadero triunfo a pesar de las reglas; y es precisamente a despecho de las reglas y de nosotros mis¬mos que miramos, echamos en el aire los sombreros y gri¬tamos viva. Estamos obligados a actuar así; no queremos metemos a analizar o a sentar problemas: seguimos la corrien¬te, nos abandonamos a la admiración y a la sugestión. Que esto sólo sea una especie de hipnotismo, nuestro gusto se desentiende de ello: somos felices de ser tan conmovidos v saltamos literalmente de alegría. La gran personalidad ha tenido la razón contemporáneamente de nosotros y del arte. Pero las personalidades de este género son extremadamente raras Y, si deseamos ver una personalidad afirmarse en el cam¬po teatral y triunfar completamente como actor, tenemos al mismo tiempo que ser totalmente indiferentes a la obra repre¬sentada y a los otros actores, a la belleza y al arte”
Afirma que aquellos que no piensan como el son los que adoran y admiran respetuosamente a las personalidades de la escena, los que no toleran que la misma tenga que ser limpiada de todos los actores y actrices. Las persona¬lidades excepcionales encuentran siempre las maneras y los instrumentos con qué expresarse; y la actuación es solamente una, la menor, entre las disponibles; por ello estos hombres y mujeres hubieran sido igualmente famosos en cualquier tiem¬po y en cualquier actividad. Pero si a algunos resulta intolera¬ble mi proposición de limpiar la escena de todos los actores y actrices, en un intento por restaurar el arte del teatro, existen hoyos a los cuales tal propuesta es grata.
El artista -dijo Flaubert-, debiera ser en su trabajo si¬milar a dios en cuanto a la creación: invisible y, omnipotente; se debe sentir su presencia dondequiera sin verlo en ningún lugar. El arte debería ser elevado por encima de los afectos y las susceptibilidades nerviosas.
Craig, está en contra del teatro comercial, del empresario moderno que piensa que sobre el escenario se tienen que presentar trabajos con escenografías suntuosas. Que no se tiene que ahorrar ningún sacrificio con tal de dar a los es¬pectadores la ilusión de la realidad. Que hace notar continua¬mente la importancia que tiene todo este lujo escénico. Insis¬te sobre todo esto por varios motivos, entre los cuales el que sigue no es el menos importante: él siente que un trabajo simple y bueno representa un grave peligro; ve que existe un tipo de gente contraria a este derroche de decoraciones; sabe que ha habido en Europa un notable movimiento en contra de este enorme lujo que pretende exponer que los grandes trabajos salen ganando al ser representados con el más simple ambien¬te. Los empresarios advierten este peligro e intuyen que si en un mo¬mento dado la gente lograra darse cuenta de este hecho, si por una sola vez los espectadores saborearan el placer que da una representación sobre una escena desnuda entonces pron¬to irían más allá y exigirían dramas sin actores y al final, llegarían aún más allá y serían ellos, en efecto, y no los em¬presarios, quienes reformarían al arte.
Este hombre de teatro siente una gran admiración por Asia “en Asia hasta las personas no dotadas son incapaces de comprender las fotografías, mientras que entienden el arte en cuanto a manifestación simple y clara, han protestado en contra de la reproducción de la naturaleza, con su descolorido realismo fotográfico. Han protestado contra todo esto y los empresarios se han puesto a polemizar con ellos; hay que esperar que al momento oportuno salga afuera la verdad. Es una conclusión razonable. Acábenla de una vez con el árbol real sobre la escena, acábenla de una vez con la realidad de la dicción, con la realidad de la acción, y llegarán a acabarla con el actor. Esto es lo que a su debido tiempo tendrá que acontecer… Acábenla con el actor y los medios con que actúa y florea un degradante realismo escénico y éstos desaparecerían. No debería existir más una figura viva apta sólo para confundir¬nos, haciendo todo uno de lo "cotidiano" del arte; no una figura viva en la cual estén perceptibles las debilidades y los estremecimientos”

NATIVA DICIEMBRE 2008

2009-01-14T11:57:00.002-02:00

V. E. Meyerhold
De Roxana Sella

Vsiévolod Cemílievich Meyerhold, (1874-1940), innovador director teatral ruso de las décadas de 1920 y 1930, cuyo trabajo inspiró a muchos artistas y directores de cine de su época. Nació en Penza, Rusia.
A principios del siglo XX, mientras era miembro del Teatro del Arte de Moscú de Konstantín Stanislavski, Meyerhold se rebeló contra las técnicas de teatro realista y de vivencia y reproducción de las emociones sobre el escenario que defendía Stanislavski. Bajo la concepción de que el teatro debía ser algo diferente de la realidad cotidiana, Meyerhold comenzó a buscar un arte escénico alternativo y abstracto. En 1905 dirigía su propio estudio que producía obras simbolistas, donde los actores se movían como títeres estilizados bajo el autoritario control del director. Durante la década siguiente, experimentó con formas teatrales improvisadas, cómicas y convencionales, como la Commedia dell'arte y la ópera de Pekín.
Ya durante la Revolución Rusa, en 1917, Meyerhold era considerado el director de vanguardia más importante de su país. Trabajó con los pintores y artistas constructivistas y creó espacios escénicos llenos de plataformas abstractas, escaleras, tarimas aisladas y pantallas móviles. Sus jóvenes actores se formaban de modo riguroso bajo un sistema de ejercicios mentales y físicos conocido como biomecánica. Esta técnica, basada en los primeros trabajos de Meyerhold sobre teatro asiático y circo, daba a los intérpretes un sentido de la emoción y del control corporal jamás experimentado en el escenario moderno. Los movimientos físicos, precisos y mecánicos de los actores de Meyerhold sobre los escenarios constructivistas impresionaron y deleitaron al público soviético.
Aunque Meyerhold dirigió obras cómicas y propagandísticas escritas por Vladímir Maiakovski y otros autores soviéticos de las décadas de 1920 y 1930, sus producciones más aclamadas eran reposiciones excéntricas y radicales de los clásicos europeos y rusos, como El inspector, de Nikolái Gógol. A partir de 1932 el régimen estalinista insistió en implantar un programa basado en las ideas artísticas del realismo socialista, con el cual dio fin a toda forma de innovación vanguardista. Incapaz de adaptarse a las nuevas directrices, Meyerhold fue continuamente atacado. En 1936 perdió su teatro y cuatro años más tarde, tras meses de prisión y tortura, fue ejecutado en secreto por la policía política soviética.

SU VIDA EN EL TEATRO

En los años que siguieron inmediatamente al siglo XlX, el simbolismo llegó a su apogeo en la literatura Rusa. Pero hasta 1906 no produjo ninguna obra teatral importante y había tenido poco impacto en la escena y el Teatro del Arte de Moscú seguía siendo una influencia de vanguardia. Uno o dos intentos se hicieron para representar a Maeterlinck, y tanto sus piezas como escritos teóricos se publicaron en traducción, en especial “El tesoro de los humildes”, en 1901, que contenía su ensayo sobre la “tragedia cotidiana”. Mientras que el teatro naturalista era condenado por los críticos simbolistas, los problemas prácticos eran difícilmente abordados y mucho menos resueltos. Esta situación se transformó por completo en el lapso de 12 meses que comenzó en noviembre de 1906, cuando Vsevold Meyerhold surgió como el director más polémico del teatro ruso.
Como Stanislavsky, Craig y Reinhardt, Meyerhold hizo un cuidadoso aprendizaje en el teatro mismo.
Se graduó con distinción en la escuela de teatro de la Sociedad Filarmónica de Moscú en 1898. Recién casado y sin dinero, pudo ser tentado por ofertas de trabajo seguras y lucrativas del teatro comercial, pero su maestro había sido Nemirovich Danchenko, co director con Stanislavsky del recién formado Teatro del Arte de Moscú y junto con otros estudiantes de la Filarmónica se unió a éste. En la primera temporada hizo una amplia variedad de papeles, desde el joven escritor Tepler en “La Gaviota”, hasta “Tiresias” en Antífona de Sófocles.
Cuando el Teatro del Arte fue reorganizado como una cooperativa en 1902, Meyerhold quedo fuera.
Junto con Alexander Kosheverov alquilaron el teatro municipal de Kherson en Ucrania para la temporada 1902-1903. Se lanzaron a hacer una temporada de cinco meses con setenta y nueve producciones, incluyendo trabajos de Chejov, Gorka, Ibsen Tolstoi y Zola. El público que iba al teatro era tan limitado que debían cambiar la obra cada dos funciones. El estilo de producción era naturalista y seguía de cerca el modelo del teatro del Arte de Moscú. Meyerhold dirigía y actuaba en las piezas.
En la segunda temporada Meyerhold era el único director de la compañía que se denominó “La Compañía del nuevo Teatro”, planeaba presentar una serie de trabajos simbolistas, pero estos fueron rechazados inmediatamente por su público.
Aunque Meyerhold logró introducir al público a innovadores como Wedekind, Stridberg, Schnizler y Maeterlinck, se hizo obvio que todavía no había futuro para el teatro experimental fuera de Moscú y Petersburgo.
En 1905, Stanisvslasky creyó que él era el hombre indicado para convertirse en director artístico del recién formado Teatro Estudio, vinculado al teatro del arte de Moscú.
Con recursos considerables, una compañía joven, con talentosos diseñadores y músicos, y un verano para preparar las primeras 4 producciones, Meyerhold se dedicó a la creación de un teatro que realizaría el ideal simbolista de una total síntesis artística.
Meyerhold prepara sus obras y su método llega a definirse como la estilización, para él esta significaba:
“Con la palabra “estilización” yo no implico la exacta reproducción del estilo de cierto período o de cierto fenómeno, tal como un fotógrafo podría llevarlo a cabo. En mi opinión, el concepto de “estilización” está indivisiblemente ligado con la idea de convención, generalización y símbolo. “Estilizar” un período dado o fenómeno, significa emplear todos los medios posibles de expresión para revelar la síntesis más profunda de ese período o fenómeno, sacar a relucir esos rasgos escondidos que están hondamente enraizados en el estilo de cualquier obra de arte”
En junio de 1905, cuando comenzaron los ensayos, Meyerhold estaba firmemente comprometido con el principio de estilización y debió enfrentarse al problema de crear un estilo de actuación que estuviera de acuerdo con este, aspiraba a desarrollar un estilo de dicción, incorporando “una fría creación de palabras libres de todo trémolo y del acostumbrado sollozo. Una total ausencia de tensión y de entonación lúgubre. Los gestos histriónicos convencionales fueron reemplazados por “el temblor interior de la vibración mística que es comunicado a través de los ojos, los labios, el sonido y la forma de expresión: la calma exterior que oculta emociones volcánicas, bajo un aspecto de liviandad y espontaneidad”.
Pero por sobre todo aprovecho el poder expresivo del cuerpo del actor. En la muerte de Tintagiles, trata de emplear movimientos, gestos y posturas para sugerir la inexorable tragedia del pequeño príncipe.
“La verdad de las relaciones humanas se establece por gestos, posturas, movimientos y silencios. Las palabras solas no pueden decir nada. En consecuencia, debe haber un modelo de movimiento para transformar al espectador en un observador vigilante… La diferencia entre el viejo teatro y el nuevo es que en el teatro nuevo, el discurso y la plasticidad están cada uno subordinados a sus propios ritmos y éstos no tienen que necesariamente coincidir”
Los actores fracasaron y la raíz de este fracaso fue su previo entrenamiento en la tradición realista. Esto se hizo notorio cuando el Teatro Estudio se mudó a su teatro permanente en Moscú.
Stanisvslasky y su grupo rechazaron la producción al ver solo su ensayo.
Después de graves incidentes políticos en Moscú, el estudio teatro no se volvió a abrir.
En 1906 vuelve a Tiflis donde estrena “La muerte de Tintagiles”.
En mayo firmó contrato como director y actor de la compañía de la actriz Vera Komissarzhevkaya en Petersburgo. En esta época lee por primera vez “La escena del futuro” de George Fuchs, un trabajo que lo impresiona. Fuchs hacia un llamado a la restauración del teatro como ritual festivo comprometiendo por igual a actores y espectadores en una experiencia común que no tiene vida sino es compartida: “En virtud de sus orígenes, el actor, el espectador, el escenario y la sala, no se oponen el uno al otro sino que son una unidad”.Toda la atención está concentrada en los más profundos medios de la expresión dramática: el movimiento rítmico del cuerpo humano en el espacio. Le recuerda al actor que su arte “tiene orígenes en la danza. Los medios de expresión empleados en ella son por igual los medios naturales de expresión para el actor, la diferencia estriba en sus límites. La defensa de Fuchs de un teatro basado en movimientos rítmicos es cercano en espíritu a lo que Meyerhold intentaba en Moscú en 1905.
La escena del futuro sirvió para darle a Meyerhold peso a su propia perspectiva y atraer su atención sobre ciertos aspectos del teatro que había pasado por alto, en el “Grito de la Vida” de Schnitzler, modeló los movimientos de los actores sobre la práctica oriental, de modo que sus movimientos precedían o seguían a sus parlamentos. Cada movimiento se trató como una danza (técnica japonesa) aún cuando no había motivación emocional para ello. De mayor significación es la utilización del espacio escénico de una forma nueva y más flexible.
El teatro dramático de Vera Komissarzhevkaya abrió sus puertas el 10 de noviembre de 1906 con la producción de Meyerhold de Hedda Gabler, en un escenario en relieve ya que redujo el área de actuación a una franja ancha y delgada de 22 pies de ancho y 12 de profundidad en la parte frontal del escenario.
Luego “La hermana Beatriz” de Maeterlinck fue todavía una declaración más programática de sus ideas simbolistas. “El teatro de títeres” de Blok, sobre esta producción, Meyerhold escribirá en 1912, refiriéndose a la exploración de las máscaras, a lo que implicaban, y no solo a las de la Comedia del Arte sino al estilo de actuación que la máscara expresaba: el autocontrol emotivo y la habilidad física que le permite al actor asumir diversos aspectos de su papel, “manipular sus mascaras” y al mismo tiempo comentar tanto implícita como explícitamente sus propias acciones y la de los otros personajes para darle al espectador un montaje de imágenes, un retrato multifacético de cada papel. Señala una estrecha relación entre la máscara y un estilo definido como grotesco. Su última producción de la temporada fue “La vida de un hombre” de Leonid Andreyev, en ella Meyerhold hizo innovaciones importantísimas en el espacio escénico, valiéndose de la iluminación, fuertes maquillajes de actores y muebles con características exageradas que pudieran atrapar la luz, esta obra tuvo un gran éxito popular.
En su ensayo “Sobre la historia y técnica del Teatro” (1906-1907) Meyerhold subraya la capacidad del espectador de “emplear su imaginación creativamente para suplir los detalles sugeridos por la acción en el escenario”. Este es el principio de la estilización y así lo demostró en todas sus producciones para Komissarzhevkaya pero muy especialmente en “La vida de un hombre”, porque se le mostró tan poco al espectador que éste vio tanto, anteponiendo sus propias experiencias imaginadas o recordadas a los eventos representados en él.
Animado por sus éxitos con Blok y Andreyev, Meyerhold quería explotar aún más la flexibilidad del espacio escénico, propuso la puesta en escena de “El regalo de las abejas sabias” de Sologub en un escenario circular, construyendo un escenario en medio de la sala y sentando parte del público en el escenario permanente, esto se frustró, a pesar de esto en el “despertar de la primavera” de Wedekind, no fue menos audaz. Fue admirable el método empleado para iluminar el espacio escénico, con el objeto de eliminar los constantes cambios de escenas de la obra y asegurar una secuencia ininterrumpida de las 18 escenas representada en cuatro niveles.
Cuando Meyerhold hizo su primera película “El Retrato de Dorian Gray”, en 1915, aplicó sus teorías dramáticas y tuvo gran efecto expresivo.

Con Meyerhold Se comienza aplicar en el teatro la BIOMECÁNICA en la formación del actor, y sobre todo se da una revolución en lo que respecta a la escenografía y cambio de visión estética del arte dramático.
Sin dudas, UN MAESTRO.
“Hoy día, cuando el teatro se emplea una vez más como plataforma de agitación, es indispensable que el actor tribuno, cuente con un sistema de actuación que haga hincapié en la pre- actuación. El actor-tribuno necesita transmitir al espectador su actitud con respecto al discurso que enuncia y a las situaciones que actúa. Quiere forzar al espectador a responder de una manera particular a la acción que se desarrolla ante él… El actor –tribuno actúa, no la situación misma, sino lo que hay detrás de ella y lo que tiene que revelar con un propósito específicamente agitativo. Cuando el actor-tribuno se quita la máscara del personaje para revelar su verdadera naturaleza al espectador, no dice simplemente los parlamentos que le proporciona el dramaturgo, sino que descubre sus raíces desde las cuales dichos parlamentos han surgido.”

Revista nativa, NOVIEMBRE 2008

2009-01-14T11:52:00.005-02:00

Antonin Artaud: El Teatro de la crueldad… concepción del actor.
Roxana Sella
http://roxana-enredarte.blogspot.com/

La crueldad es sobre todo necesidad y rigor. La decisión implacable e irreversible de transformar al hombre en un ser lúcido. De esta lucidez nace el nuevo teatro. Todo nacimiento implica también una muerte. Para dar origen a mi "crueldad" será necesario cometer un asesinato. Hay que asesinar al padre de la ineficacia en el teatro: el poder de la palabra y del texto. El texto es el dios todopoderoso que no le permite al verdadero teatro nacer. Al atentar contra la palabra, atentamos contra nosotros mismos. Hasta ahora, es el lenguaje verbal aquello que nos permite comprender al mundo. Y lo comprendemos mal. Al asesinar al lenguaje verbal, estamos asesinando al padre de todas nuestras confusiones. Por fin seremos libres. Esto vale no sólo para el teatro. Seremos hombres libres en todo aspecto de nuestra vida.
Antonin Artaud

Antonin Artaud, nace el 4 de septiembre de 1896 en Marsella. Alrededor de los 16 años sufre sus primeras crisis depresivas y comienzan así sus largos períodos de confinamiento en clínicas de reposo y asilos para enfermos mentales. Este niño de salud frágil se convertirá en el hombre que hará uno de los aportes más contundentes de todos los tiempos a la teoría del teatro.
En 1921, comienza su vida artística como actor y poeta. En 1924 entra en contacto con el Movimiento Surrealista a través del poeta Max Jacob este movimiento surrealista tenía como propósitos destruir todo sistema existente, ya sea, sistema social, político, religioso, filosófico y estético, y alcanzar la liberación total del espíritu fusionando sueño con realidad.
Hay un antagonismo con el movimiento surrealista ya que si su adhesión tuvo como punto de encuentro la concepción de la creación de arte como un tropo para el funcionamiento de la conciencia y de la vida misma, su ruptura estuvo signada por diferencias contundentes en ese mismo funcionamiento. Mientras los surrealistas sostenían que extender los límites de la conciencia conducía a refinar el imperio de la razón y ampliar los límites del placer físico, Artaud sostenía que abrir las puertas de la conciencia era un esfuerzo de alguien que desespera por alcanzar su propio espíritu. Conservó del surrealismo el imperativo de hacer un todo indisoluble entre arte y vida, llevó a límites extremos la devaluación de la obra de arte en si.
Desde sus primeros pasos arriba de un escenario, la actuación para él tiene algo de lo trascendente y sagrado. Sus intentos por captar lo propio y esencial del teatro reciben un aliciente al presenciar una función de un grupo teatral japonés que visitó Marsella en el año 1922. Pero sin duda fue al presenciar una función de La Compañía del Teatro Balines en el año 1931 cuando sus ideas sobre el teatro comenzaron a cobrar forma en torno a una teoría: la del teatro de la crueldad.
Fue co- fundador del teatro Alfred Jarry en 1927, en donde produjo varias obras. En una de ellas “The Cenci” (1935) hace una ilustración de su concepto de teatro de la crueldad.
El Primer manifiesto del “Teatro de la crueldad” se publica en 1932 en la revista Nouvelle reveau Francaise”.
Sus teorías y trabajos fueron influencia para lo que mas tarde se denomino teatro experimental, que incluye lo que se conoce como teatro del absurdo, ritual y el de entorno.
En 1936 viaja a México, donde vive varios meses con los indios tarahumaras y experimenta con el peyote. A su regreso a Francia, emprende casi de inmediato un místico viaje a Irlanda, es deportado desde Dublín e internado en diversos asilos mentales hasta 1946.
Muere, el 4 de marzo 1948 a la mañana en la clínica de Ivry donde había sido internado por un cáncer. El jardinero de la clínica entró en la habitación de Artaud a llevarle el desayuno y lo encontró sentado al pie de la cama. Estaba muerto. Pocos días antes Antonin había manifestado su deseo de no querer morir acostado ni en presencia de testigos. Y sus deseos se cumplen. Muere tal como quiere. Tal vez, también en el momento que quiso.

Teatro de la Crueldad

La analogía del teatro con la peste lo llevó a su concepción del Teatro de la crueldad. Supuso al hombre acosado por una gran grotesca enfermedad contra la que no estaban inmunes actores ni espectadores. El espectador va al teatro a experimentar un "tratamiento de choque" tendiente a librarlo del pensamiento discursivo y lógico y permitirle una nueva experiencia catártica.-
El oficio del actor consistía en servir como "una fuerza de la epidemia que ataca los cuerpos y las almas de la población, transmitirían el contagio a todo el teatro", liberando así el desorden atroz y la crueldad latente del ser humano. Una vez que la enfermedad fuera expuesta y exorcizada, y liberado el Yo abominable, la audiencia, espiritualmente purificada, tal vez encontraría su Yo real.-
"Vamos al teatro para salir de nosotros mismos…para redescubrir no tanto lo mejor de uno mismo sino la parte más pura, la parte más marcada por el sufrimiento…buscamos en la escena una emoción en la que los movimientos más secretos del corazón serán expuestos…la audiencia se enfrentará cara a cara con su gusto por el crimen, sus obsesiones eróticas, sus quimeras, su sentido utópico de la vida y del caos, incluso con su canibalismo…" –
Lo que Artaud propone, entonces, es la instauración de una nueva tradición que con el tiempo puede ir perfeccionándose. Una tradición que varía de forma, porque lo que busca es darle al hombre acceso a lo que no está en este mundo, a producir una ruptura. Artaud dice: "no creo en absoluto que el hombre haya imaginado todo lo sobrenatural sino que, por el contrario, ha concluido por corromper lo que la existencia posee de divino." Lo que busca es recuperar el vínculo con lo que antaño se perdió.
Explica entonces cómo el teatro puede influir sobre un grupo numeroso de gente. Demuestra cómo el orden del mundo es subvertido por la peste, fenómeno absolutamente mental en donde todo se trastoca y todo se evidencia. El teatro debe tener algo de esto: "El teatro actúa como la peste, porque afecta a importantes comunidades y las transforma." En ambos casos se produce porque "El espíritu acepta con fervor lo que ve y actúa según aquello en lo que cree". Es el acto de la fascinación, en donde el espíritu hace activamente real lo que lleva en su interior.
El teatro, además, debe ser la representación del Mal. Para Artaud, la manifestación de la parte oscura de la vida es la que mejor representa y rompe con las estructuras establecidas. Es una pequeña parte del todo que lo representa, una imagen a pequeña escala pero que conlleva toda la profundidad de la realidad. Esto hace que tenga una potencia que representa sin paralelo.

LA ACTUACIÓN UN ATLETISMO AFECTIVO (actor)

En el actor hay una especie de musculatura afectiva que corresponde a las localizaciones físicas de los sentimientos.
Es como un atleta físico, pero con una sorprendente diferencia: su organismo afectivo es análogo, paralelo al organismo del atleta, su doble en verdad, aunque no actúe en el mismo plano.
Es un atleta del corazón. La esfera afectiva le pertenece orgánicamente.
Los movimientos musculares físicos son la cara de otro esfuerzo, su doble y en la acción dramática se localizan en los mismos puntos.
El punto en que se apoya un atleta para correr es el mismo en que el actor se apoya para emitir un espasmo, pero su carrera es interior.
La diferencia radica en la respiración, mientras en un atleta físico la respiración se apoya en el cuerpo, en un atleta del corazón, el cuerpo del actor se apoya en la respiración.
Es primordial la cuestión de la respiración ya que tiene relación inversa con la importancia de la expresión exterior.
Expresión sobria, respiración onda y pesada, expresión arrebatada, respiración en ondas breves y bajas.
Todo sentimiento, movimiento del espíritu, salto de la emoción humana tiene su propia respiración.
Artaud toma los tiempos de acuerdo con la Cábala, y señala que los mismos dan forma al corazón humano.
El actor es un empirista, un curandero guiado por un instinto pobre y vago.
El buen actor encuentra intuitivamente como captar y transmitir ciertos poderes, se sorprendería si supiera que esos poderes se mueven porque se mueven y existen materialmente por los órganos.
Para utilizar sus emociones, como el luchador utiliza su musculatura, el actor debe ver al hombre como su doble, como un espectro perpetuo que irradia poderes afectivos.
A ese espectro plástico imita el actor verdadero.
Sobre ese doble influye el teatro, a esa cara espectral da forma el teatro, y como todos los espectros ese doble tiene una larga memoria.
La del corazón es duradera, y el actor piensa con el, PREDOMINA EL CORAZON.
El actor tiene que cobrar conciencia del mundo afectivo pero atribuyéndole virtudes que no son la de una imagen y tienen sentido material.
Es posible ver a ese espectro de alma intoxicado con sus propios gritos (mantras hindúes), esas consonancias, acentos misteriosos donde las penumbras materiales del alma.
El actor debe creer en la materialidad fluida del alma, debe saber que una pasión es material, que está sujeta a fluctuaciones plásticas de la materia.
Alcanzar las pasiones por medio de sus propias fuerzas confiere al actor la maestría de un verdadero curandero.
Saber que el alma tiene una expresión corporal le permite alcanzarla en sentido inverso y redescubrir su ser.
Artaud esta totalmente influenciado por principios orientales, toda emoción, tiene bases orgánicas.

SOLOS (no tan solos) gracias gente

2008-12-15T23:06:00.003-02:00

EL ESTRENO, UN ÉXITO... A TODOS GRACIAS...

SOLOS (no tan solos)

2008-12-15T23:04:00.002-02:00

El Adios a un grande ULISES DUMONT

2008-11-30T14:55:00.007-02:00

EL TEATRO, EL CINE....ESTÁN DE LUTO.
SE FUE UN GRANDE.
SIEMPRE EN NUESTRA MEMORIA.

ULISES DUMONT
ARGENTINA, 1937- 2008

LOS DUEÑOS DEL CALLEJÓN, mis chicos!!!!

2008-11-22T13:45:00.005-02:00

Estreno de Mascarada

Hoy por la noche el grupo teatral Mascarada hará su presentación formal como elenco en la escuela Manuel Belgrano de Villa Nueva (9 de Julio 960).
El colectivo de padres y alumnos conformaron una nueva asociación civil sin fines de lucro denominada Mascarada estrenará a las 21.30 su primer espectáculo musical en vivo: "Los dueños del callejón" con 26 actores en escena.
VAMOS CHICOS!!!!!!!!!! A BRILLAR!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!
LOS QUIEROOOOOOOOOO!!!! MUCHOOOOOOOOO!

MIERDAAAAAA
ROXY!

2008-11-13T20:01:00.001-02:00

SALA MANDRA

PRESENTA

MMMMMMMM......
QUÉ SERÁ...
????

SALA MANDRITAS

2008-09-18T17:42:00.007-03:00

LOS MARTES DE 18 A 20 HS. FUNCIONA EL TALLER DE ALUMNAS DE MASCARADA, ESTAS SON FOTOS DE ALGUNAS DE ELLAS Y EL ESTRENO DEL NOMBRE DEL GRUPO "LAS SALA MANDRITAS" QUE PRONTO REALIZARÁN SU MUESTRA DE TRABAJOS DE CREACIÓN INDIVIDUAL Y COLECTIVA.

Nativa de Octubre, Tadeuz Kantor

2008-09-18T17:36:00.003-03:00

La concepción del “ACTOR” según
Tadeuz Kantor y su TEATRO DE LA MUERTE

por Roxana Sella

http://roxana-enredarte.blogspot.com/

Kantor, nació en el año 1915 en un pueblito llamado Wielpole, Polonia.
Hijo de padre judío y madre cristiana.
Por circunstancias económicas, se mudó con su madre y su hermana a la casa de su tío abuelo que era cura. La casa estaba lindando la sacristía. A su padre lo creyó muerto durante la guerra. Muchos años después lo encontró en Viena
Era una especie de gentleman, un hombre refinado que finalmente terminó su vida en el campo de concentración de Auschwitz.Estudió pintura y escenografía en la Escuela de Bellas Artes de Cracovia. Allá aprendió pintura con el célebre escenógrafo polaco Karol Frycz, un profundo admirador de Gordon Craig.
Llegó a ser profesor de la misma escuela de la que fue echado por motivos ideológicos. El verdadero inicio en el ámbito teatral fue a partir de dos obras que lo acompañaron a lo largo de su vida Balladina de Slowacki (1942) y sobre todo El regreso de Ulises de Winspianski (1944) obra que marcó el inicio del teatro clandestino en plena ocupación nazi.En el año 1955 Kantor creó el Cricot 2, esta palabra leída de derecha a izquierda significa ‘circo’. Su teatro estuvo íntimamente ligado tanto a lo payasesco como a lo trágico. El teatro Cricot 2 es la concreción misma de la idea del teatro autónomo, en relación con la pintura.
Fue llamado "el más internacional de los actores polacos y el más polaco de los artistas internacionales". La fama se la dio el teatro, pero en la escena siguió siendo un pintor que pensaba en imágenes y que lanzaba actores, muñecos y elementos de utilería sobre el escenario como pintura sobre un lienzo. La excepcional fórmula de su Teatro de la Muerte consistía en la creación de una ilustración plástica de los mecanismos de la memoria: secuencias de imágenes irreales, jirones de recuerdos, cómicas migajas del pasado. En sus espectáculos, Kantor creaba un espacio sugestivo en el que se mezclaban los vivos y los muertos, su biografía personal se trenzaba con la historia, con los mitos nacionales, y sus obsesiones privadas volvían como un eco atormentador. Gracias a la subordinación de los símbolos y las emociones a la férrea disciplina de la forma, los espectáculos del teatro de Kantor Cricot 2 causaban conmoción en todas las latitudes geográficas.

EL ACTOR

Para salvar al teatro hay que destruirlo, es preciso que todos los actores, todas las actrices mueran de peste. Por ello la atmósfera está viciada, el arte es imposible.
Eleonora Duce

Kantor procede de la pintura, no del teatro. Su visión estética está en perpetuo cambio, proviene de un arte que vive en una revolución permanente. A Kantor no le preocupa la técnica del actor, como a Stanislavsky, ni pretende desarrollar una metodología de trabajo, todo lo contrario, cada obra tendrá su propio método, será resultante de nuevas tecnologías estéticas. Tampoco pretende el adiestramiento físico vocal de los actores a lo Grotowski.
Cualquiera podría ser el actor de Kantor, cualquier persona capaz de entregarlo todo. A veces llevaba a su teatro a personas elegidas en la calle. Sus ensayos no tenían nada de particular. Se hablaba alrededor de una mesa; otras veces se probaba en el escenario lo hablado.
“Un artista debe poder destruir constantemente lo aprendido (la técnica y la poética resultante de la misma) para poder acceder a nuevas fronteras del arte; y no broncificar al gran maestro ruso para pasarse el resto de su vida aferrado a una poética en crisis.”
Kantor dice de si mismo que no es un profesional. La profesionalidad acaba profesionalizando la creación, el artista profesional se ve sometido a las leyes del mercado.
El teatro de Kantor es el del alma, el teatro de la profundidad.
La imagen mitológica del actor, según Kantor, es la del comediante de feria, la de los juglares, los excluidos de la comunidad cristiana, aquella en la que los primeros ideólogos del cristianismo juzgaban como hijos de Satanás a los actores, y prostitutas babilónicas a las actrices. Un hombre expuesto a todo, a miradas de ojos estrávicos de culpa, de miedo, de vidrio verde de botella. Y también, ¿por qué no? ojos amantes de ver un ser vivo hablando como ellos. La imagen misma del hombre, la realidad y la ilusión. La imagen de la muerte en su belleza trágica y horrenda. En síntesis, un ser tan abominado como amado.
Hay un momento de aparición, momento en que el actor irrumpe como ser vivo representando un papel, exhibiendo su pobreza y su dignidad, perseguido, rebelde, inconformista, libre y trágico. En ese momento, Kantor lo ve dentro de su mitología como un día de revolución y vanguardia en el teatro.
Kantor, desea un actor opuesto al actor stanislavskiano, un actor que se sienta libre de la emoción de y de la pasión.
Respeta el arte del actor, pero no lo hace de él una sucesión de ejercicios, ni educa el carácter de su destreza física y vocal, tampoco pretende como Grotowski el peso de la obra en la destreza actoral, en el intento de burlar el inconciente, ni se plantea la composición del personaje como en el teatro stanislavskiano. Kantor lleva a los actores a su verdadero ser; no pretende otra cosa que actúen sus propios personajes. No hay papeles, pero cuando hay un papel, el actor no lo interpreta: lo toma y lo asume.
El teatro de Kantor es totalizador, sus personajes han asumido su condición de espíritu de casi muerte, de esencia. Todos mezclados, revueltos como el tango de Discépolo, la puta de cabaret, la mosquita muerta, los ahorcados, la fregona, los generales, los sueños de una nación, todo a muerto ya, ya lo se…

Iniciación Musicala en la sala

2008-09-18T17:20:00.005-03:00

LOS LUNES DE 18 A 19,30 HORAS SE DICTAN CLASES DE INICIACIÓN MUSICAL Y JUEGO TEATRAL PARA NIÑOS DE 3 A 5 AÑOS, ESTAS FOTOS SON UNA MUESTRA DE EL TRABAJO QUE VENIMOS HACIENDO...

RECITAL DE MÚSICA HINDÚ

2008-09-07T19:03:00.001-03:00

Ariel Chab-Tarab (Sitar) – Joaquin Olmedo (Tabla)

Sabado 13 de Septiembre a las 20.00 hs
En el espacio Sala Mandra (Buenmos Aires 472)
Entrada anticipada $ 10
Informes al: 0353-154-234131

2008-09-07T18:57:00.002-03:00

Taller de Musica Hindu para principiantes

Dictado por Ariel Chab Tarab (Sitar) y Joaquin Olmedo (Tabla)

El sabado 13 de spetiembre a las 17 hs.
En espacio Sala Mandra (Buenos Aires 472).
Entrada 15 pesos. Duracion del taller dos horas.

Curriculum de Ariel Chab-Tarab:

Estudió sitar durante varios años en la India con la Dra. Krishna Chakravarty, Ph.D (discípula del Maestro Pandit Ravi Shankar). Además estudió con Ram Das Chakravarty, Ph.D, Maestro de la Senia Gharana. También cursó estudios de Hindi y Apreciación Musical en la Banaras Hindu University, Benares (India) egresando con los correspondientes diplomas.
Se ha presentado en numerosas oportunidades en Argentina, Chile e India. Su estilo se caracteriza por la claridad de los sonidos y el estricto respeto de las formas clásicas tradicionales, los Ragas.
Colaboró junto a Rasikananda Das en la banda de sonido de la película “Unicornio”, primera coproducción indo-argentina del realizador nacional Pablo Cesar, con imágenes tomadas en escenarios naturales de India.
En octubre de 1995 organizó el encuentro internacional “Diálogo entre las Culturas” en ocasión de celebrarse el cincuentenario de las Naciones Unidas, contando además con los auspicios de UNESCO, Fondo Nacional de las Artes, Embajada de la India, Secretaría de Cultura de la Municipalidad de Buenos Aires, entre otros.
Es autor, además, del primer libro de música de la India en idioma castellano que se conoce, en el que transmite con mucha claridad la rica y vasta herencia musical de la India.
Posee la más amplia colección de instrumentos musicales de la India en Argentina, así como también material didáctico, audiovisual, etc. Debido a su conocimiento es considerado embajador cultural por la sede diplomática india en Buenos Aires.
Ariel Chab-Tarab además dedica su tiempo a la docencia, coordinando talleres y clases de música.

Taller en la Llave

2008-09-07T18:54:00.001-03:00

ESCUELA DE TEATRO
“ LA LLAVE ”
Invita
TALLER DE INVESTIGACIÓN DEL TEATRO DE TÍTERES
Coordina:
Mónica Nazar

Fundación por el Teatro
'Sala La Chacarita'
Fundamentos:

El arte de los Títeres, milenario como la civilización, se constituye como una poética propia, y como tal merece y requiere de la constante indagación para su propio desarrollo. La experiencia acumulada en nuestra trayectoria nos indica que aún siendo un arte popular y ampliamente difundido, los artistas han ido contribuyendo a su desarrollo de manera aislada y a través de la auto - gestión, con formación académica muy escasa, (no existen instituciones específicas en nuestra región) y con pocos espacios de sistematización en relación a las numerosas problemáticas con que se enfrenta un artista ante dicha disciplina. Estas razones son las que impulsan a nuestra institución a generar espacios de investigación permanente en este arte.
Seguros de contribuir con estas acciones al desarrollo del género creemos de fundamental importancia la creación de estos espacios de indagación, reflexión y creación que tiendan a sistematizar los conocimientos y saberes útiles de los interesados de manera de obtener propuestas nuevas, actualizando y afirmando esta milenaria forma de comunicación humana.
El arte de los títeres, sin academias, sin industria y sin una histografía clara y comprobada, se ha constituido como un arte irregular y revestido de una gloriosa marginalidad. A pesar de ello y a su favor parece proyectarse hacia nuevos e inciertos rumbos. Si bien es real que muchas propuestas están teñidas de mercantilismo y oportunismo, también es cierto que existen movimientos creativos tendientes a explorar otros caminos, recibiendo el aporte de otras disciplinas e incorporando las nuevas tecnologías con el fin de ampliar su campo de trabajo. Todo esto, hay que aclarar, en un marco político y social poco favorable.

Objetivos generales:
1. Crear espacios de indagación de la problemática
Objetivos específicos:
1. Indagar poética, sensible y dramáticamente el proceso de creación
2. Conceptualizar y redefinir la problemática desde nuestros saberes útiles
3. Vivenciar en toda su amplitud el proceso creativo.
Requerimientos
Los talleristas deberán aportar materiales de reciclaje que oportunamente se detallaran.
Contenidos conceptuales
Unidad Temática 1
“Los códigos del lenguaje de los títeres”
Unidad Temática 2
“Los procedimientos y las técnicas”
Unidad Temática 3
“El imaginario”
Unidad Temática 4
“La pantomima”
Unidad Temática 5
“Actitudes generales relacionadas con la práctica”

Contenidos procedimentales
Procesos de socialización. A través de reforzar el vínculo con el otro.
· Percepción, observación, concentración
· Exploración de las coordenadas espacio-tiempo, en cuanto signo de comunicación.
· Ejercitación en animación de objetos, en cuanto evocan e invocan. Materialización de ideas.
· Ejercitación de la oralidad con y sin soportes textuales a través de la convención y desde la habitual antropomorfía de los títeres
· Construcción de mensajes. Modos
· Experimentación de roles y conductas cercanas.
· Organización de síntesis de las acciones desarrolladas.
EVALUACIÓN
1. Evaluación: Oral y grupal.
2. Asistencia al 80 % de las horas.

COMIENZA EL JUEVES 18 DE SETIEMBRE

Duración: 5 JUEVES de 4 horas.
Horario: de 18hs. a 22 hs.

VALOR DEL TALLER: $ 100
PARA RESERVAR EL LUGAR SE ABONA EL 50%
Cupo Máximo: 25 personas

INFORMES E INSCRIPCIONES
CARLOS PELLEGRINO 230
0353/4532483-154114687
http://ar.mc596.mail.yahoo.com/mc/compose?to=lallavedelteatro@yahoo.com.ar
VILLA MARÍA CBA.

MASCARADA EN NATIVA

2008-09-07T18:45:00.003-03:00

alumnos en el taller

Esta nota aparecerá en la revista Nativa de el mes de setiembre...

..."La vida es como una obra de teatro que no permite ensayos. Por eso canta, rie, baila, ama y vive intensamente antes de que el telón baje y no haya aplausos"
CHARLES CHAPLIN

De Roxana Sella
Prof. De Artes en teatro
http://roxana-enredarte.blogspot.com/

Hace unos meses conocí a Lilliam Dichiara un ser humano excepcional, con la que empecé a compartir muchas vivencias y la que me interiorizó sobre la existencia de un grupo “MASCARADA” formado por niños y jóvenes que se reúnen con un solo objetivo, crear, disfrutar y transmitir a través del ARTE, y específicamente del arte teatral.
Concurrí un sábado a Villa Nueva en la escuela donde ensayan y pude verlos en acción.
El disfrute por lo que hacían era total, la alegría y el entusiasmo se notaba en sus ojos y acciones, en sus risas y silencios (que no eran muchos)
Estaban ensayando, lo que será su primera “OBRA”, un musical.
Autodidactas, emprendedores, artistas, creadores. Eso pensé, eso transmiten.
******************************************************************
La Asociación Teatral Mascarada, nace por la iniciativa de jóvenes de Villa Nueva (en su mayoría) y Villa María, amantes de la actuación y que acompañados por sus padres y por experiencias vividas anteriormente saben que este es un camino ideal para expresarse artísticamente y que el escenario junto con la educación y la guía actoral harán factible la aparición del “talento”, pues este en la opinión de “Jorge Eines”, (catedrático de interpretación) no se posee: se conquista.

El nombre del grupo, fue elegido por sus integrantes, haciendo referencia a una escena del baile del Fantasma de la Opera.
Y fue un acierto…
Mascarada: Festín de personas enmascaradas. Farsa, enredo, trama o tramoya para aparentar o engañar. (Diccionario RAE)Las máscaras son una constante en la historia cultural de la humanidad y muy en especial en la historia del arte. En tiempos remotos estaban ligadas a creencias animistas, eran, de alguna manera, antídotos para combatir un mundo exterior lleno de demonios y espíritus malignos, un elemento de protección frente al mal. Pero fue a partir de los griegos cuando pasaron al territorio del teatro y la ficción narrativa como símbolos de un comportamiento humano generalmente bifronte y maniqueo: risa / llanto, bondad / maldad, comedia / tragedia....Cuando la máscara entra en el terreno del teatro, el juego y la ficción narrativa nace la “mascarada”. La creación de un personaje de ficción a través de la máscara, que persevera en su nueva identidad y permite actos de resistencia.
** *****************************************************************

El principal objetivo de este emprendimiento es la integración social de Jóvenes y niños de diferentes clases sociales, sin tener en cuenta religiones ni banderías políticas, con el solo fin de contenerlos en una actividad educativa, integrarlos y educarlos, ofreciéndoles todas las técnicas posibles y un ámbito familiar y agradable.
Los sábados en Villa Nueva son jornadas de duro trabajo y de diversión, de compañerismo y esfuerzo.
Actualmente siguen trabajando con recreaciones de obras musicales, con técnica de fono mímica y toman clases de Teatro en Sala mandra.
El talento del que habla Eines ya fue conquistado, su predisposición increíble.
Es un orgullo que niños y jóvenes ocupen su tiempo en darnos tanto, en formarse y crecer sanamente y más cuando esa elección es propia.

El equipo de colaboradores es amplio, psicopedagogos, médicos, técnicos y docentes en diversas áreas.
La comisión directiva de padres está conformada por tres representantes Presidente: Rolando Avelino Muñoz, Secretario: Claudio Antonio Rodríguez y Tesorera: Lilliam Elizabeth Dichiara.

Los medios económicos no son los suficientes para poder mantener esta estructura y es por ello se recurre humildemente a la solidaridad de aquellos que puedan aportar alguna colaboración, la cual podrá seguir manteniendo el nivel de enseñanza impuesto.
Los días de ensayo son los sábados de cada mes, en el horario de 9 a 18 horas, en la Escuela Manuel Belgrano, sita en 9 de Julio 960 de la ciudad de Villa Nueva (Prov. de Córdoba).
.

2008-06-19T16:29:00.002-03:00

Ahora todos los sábados de junio vas a poder disfrutar de la mejor cocina!

Con platos exquisitos y exoticos para los más variados gustos.... y a solo $10 por comensal. No incluye postre.

Después de un estreno, que estuvo para chuparse los dedos...el grupo de artistas de teatro y varieté, continua presentando KESKESÉ? A la carta... en Villa María.

KESKESE?.. A la carta !!!

Pese a los cortes en todo el país… continuamos poniendo toda la carne al asador…
Con un espectáculo solo para paladares exigentes, con escenas frescas, crujientes, salteadas, picantes, cítricas, marinadas, flameadas y aromatizadas al dente.

Todos los Sábados de junio a las 22hs (en punto) en SALA MANDRA, cito en Buenos Aires 472.
Entrada general $10.

KESKESÉ…? A LA CARTA

2008-06-13T10:40:00.001-03:00

El grupo de artistas de teatro y varieté Keskesé?
Presentará “Teatro a la carta”, un espectáculo, sólo para paladares exigentes, con escenas frescas, crujientes, salteadas, picantes, cítricas, marinadas, flameadas y aromatizadas al dente

Elenco formado por Valeria Valls, Fernanda Laudecina, Marisabel Demonte, Fernando Viruega, Juan Pablo Amante, Leticia Soria y Rocío Orozco

La cita será los días Domingo 15 (estreno), y los sábados 21, 28 de junio, siempre a las 22 hs. en Sala Mandra. Buenos aires 472, Entrada general: $10.

Seguimos trabajando...

2008-05-31T15:55:00.002-03:00

Después del éxito de Memorias de Satán, que pudimos compartir con el público villamariense, seguimos trabajando en nuestros talleres, y preparando para este mes que comienza y julio una serie de espectáculos del grupo de teatro independiente Keskesé en la sala.
La delegación de la Fundación en Cba. Capital también organiza para el mes de agosto un seminario intensivo acerca de la escritura de Clarice Lispector.
Cualquier consulta sobre nuestras actividades, pueden ser realizadas por correo electrónico o dejando un comentario en el Blog.

MEMORIAS DE SATÁN, SEMINARIO "LA VOZ Y LA ACCIÓN"

2008-04-22T13:46:00.008-03:00

SEMINARIO: “LA VOZ Y LA ACCIÓN”
Dictado por Temis Parola – Rosario, Sta. Fe -

SÁBADO 3 DE MAYO (INICIA A LA MAÑANA).
INSCRIPCIONES ABIERTAS.

DIRIGIDO A:
ACTORES, LOCUTORES, DOCENTES, ALUMNOS, Y PUBLICO EN GENERAL.

CUPOS LIMITADOS

Se entregarán certificados de asistencia

HORARIO: de 10 a 14 hs. INSCRIPCIONES A TELÉFONOS 154190431 Y 154089161 A PARTIR DEL MARTES 29/04 Ó EN SALA MANDRA – BUENOS AIRES 472 –

Temática del Seminario

La experiencia consiste en un trabajo de reconocimiento, reflexión e investigación acerca de la emisión.
Se basa fundamentalmente en la exploración de la unión de la respiración, el movimiento y el sonido, facilitando la incorporación de la técnica vocal

Contenidos:
La voz como sonido / Mecanismo de la voz / La voz hablada y cantada / La producción del habla / Experimentación de los mecanismos de producción de los fonemas a través de los análisis acústico, articulatorio y perceptivo / Clasificación de los sonidos, oralidad y nasalidad, vocales y consonante, lugar y modo de articulación / Cómo el lenguaje se convierte en canto / Preparación del cuerpo para emitir: relajación y calentamiento / Ejercicios rítmicos y de coordinación / El instrumento vocal: aparato respiratorio, aparato de la fonación, aparato resonador / Colocación de la voz / Proyección de la voz / Parámetros del sonido / Introducción a la técnica vocal / Recuperación del registro natural / Cuidados y prevención de los trastornos de la voz/ La voz del actor en el espacio

¿Te has preguntado alguna vez por qué me sacaste de la nada, a mí, Lucifer, tu ángel de luz? Nadie hasta hoy podía saber que me volví imperdonable para ti porque era el único en conocer tu secreto de fabricación. Desde entonces, mi único objetivo, mi deseo insatisfecho para siempre, ha consistido en hacerte sufrir...¿No ves que nuestros destinos están ligados? ¡No ves que el hombre ya no se fía en ti y tampoco tiene necesidad de mí para hacer el Mal?

Cacho Palma presenta:
La comedia patafísica

M E M O R I A S DE S A T Á N
de ALAIN DIDIER WEILL

EN SALA MANDRA

Bs.As. 472 Villa María

SÁBADO 3 DE MAYO

22 HS.

ESPECTÁCULO 'MEMORIAS DE SATÁN'
La obra está basada en el texto 'Memorias de Satán. Ensayo sobre la manera de hacer bien el Mal y mal el Bien' del reconocido psicoanalista francés Alain Didier-Weill.
Tras recibir una de las primeras traducciones de este comprometido, exquisito y conmonvedor material, Cacho Palma, responsable de la adaptación y dirección, protagoniza una puesta no convencional plagada de rupturas que se presenta como un 'ensayo' de un 'Ensayo'.
Con el aporte del actor Hernán Caleca, de la cantante Temis Parola y del técnico Tomás Ferrer se conforma un verdadero equipo de trabajo que apuesta a una política teatral sostenida en lo comunitario, lo artesanal y lo autogestionario.
El protagonista del relato, Satán, es sostenido por Cacho Palma a través de una rigurosa Primera Persona, dando un lugar primordial a las abundantes contradicciones y giros de sentido que tiene la propuesta.

SOBRE EL AUTOR
Alain Didier-Weill
Doctor en medicina, Neuropsiquiatra, antiguo interno de los hospitales psiquiátricos de la Sena, premio de la evolución psiquiátrica 1959, analista miembro de la escuela freudiana de París, filósofo y escritor de teatro. Formado por Jacques Lacan, ha intervenido con regularidad en su seminario como “conferenciante”. Cofundador del Movimiento del Coste freudiano, asociación que ha participado a la creación del Inter.-Asociativo europeo de psicoanálisis en 1994 y de Convergencia. En 2002, fundó con artistas y unos psicoanalistas el movimiento Insistencia. Organizador de numerosos coloquios (Sorbona, Hospital de la Salpetrière, Teatro de la Tempête…), publicó numerosos artículos y libros de psicoanálisis y escribió para el teatro varias obras publicadas e interpretadas en Francia y en el Extranjero.
Teatro
Le Journal de Satan, 2003
Come Back Dionysos, lectura espectáculo en el Hôtel du Nord 2005 Vienne 1913, puesto en espacio por Jean-Claude Idée en el Théâtre Montparnasse en 2000, Jornadas del teatro Francés en Viena en 2002, traducido al alemán Jimmy, Versión Pupitre de Jean-Luc Paliès, Théâtre du Rond-Point 2003
L’heure du Thé chez les Pendlebury, 1992, Actes Sud-Papiers, creado en Argentina, dirección por la Compañía: Cie du Pont Neuf en el Théâtre Sylvia Montfort
Dyonisos. La Naissance de l’Acteur publicado en “esquisses psychanalytiques” 1992
Basse Surveillance France Culture 1992, leído por M. Lonsdale
Le Banc creado por el Théâtre de Confluence 1984, France Culture 1981
Les Trois Cases Blanches, 1982, publicado en Le Coq Héron Pol, 1981, Lattès, premio U de la crítica 1975, creado en el Théâtre de la Gaîté Montparnasse en 1975 por Jacques Seller, leído en el théâtre du Rond-Point en 2002
Psicoanálisis
Freud et Vienne, Erès 2004
La lumière de Vermeer et le visage d’Isaac, premio Œdipe 2004, Denoël 2003
Quartier Lacan (Entretiens), 2001, Denoël
Invocations- Dyonisos, saint-Paul et Freud, 1998, Calmann-Lévy
Lacan e a clinica psicanalitica, contra Capa, Rio de Janeiro 1997
Nota Azul Freud, Lacan e a Arte, Contra Capa, Rio de Janeiro 1997
Inconsciente Freudiano e transmissao de Psicanalise Jorge Zahar Editor 1992
L’Homme et la Terre Point Hors la ligne 1991
Les Trois Temps de la Loi, 1996, Seuil, Premio Œdipe
Fin d’une analyse Finalité de la Psychanalyse Sollin 1989

Película
Quartier Lacan , dirigida por Emil Weiss

SALA MANDRA

LA SALAMANDRA

TE ACTÚO QUE IMPROVISO Taller de entrenamiento actoral dictado por Xavier del Barco

Taller Intensivo: -LA IMPROVISACIÓN- Te improviso que actúo

Taller de Teatro infantil 1 y 2

Taller de Teatro infantil 1 y 2

Taller de Teatro para jóvenes y adultos

Clases de Canto:

MENSAJE POR EL DÍA INTERNACIONAL DEL TEATRO, Jessica A. Kaahwa, Uganda

Taller de Teatro para jóvenes y adultos

Taller de Teatro infantil 1 y 2

Taller de niciación al juego teatral (desde los 4 años)

Talleres de Teatro 2011

Para-normal (lamento tu alegría)

Seminario Intensivo dictado por Jorge Monteagudo

ya se viene...

FELIZ DÌA!!!!!!!!!!!

Taller (Leonel Giacometto)

Taller (Leonel Giacometto)

SUICIDADOR

Elenco de Teatro independiente VM Presenta: Suicidador

ELENCO

De Armario Teatral

TALLER DE DRAMATURGIA-ACTUACION- PUESTA DICTADO POR LEONEL GIACOMETTO. JORNADA 6

ARMARIO TEATRAL

5to ENCUENTRO, TALLER DE TEATRO (ACTUACIÓN-DRAMATURGIA-ESCENA)

4º jornada del Taller de Teatro (actuación-dramaturgia-escena) dictado por Leonel Giacometto

TALLER DE TEATRO- NIÑOS

3º jornada del Taller de Teatro (actuación-dramaturgia-escena) dictado por Leonel Giacometto

2 jornada taller de teatro (actuación-dramaturgia-escena) Leonel Giacometto

1º JORNADA DEL TALLER DE TEATRO (ACTUACIÓN-DRAMATURGIA-ESCENA) DICTADO POR LEONEL GIACOMETTO

LEONEL GIACOMETTO

LEONEL GIACOMETTO

TALLER

Taller de teatro (actuación-dramaturgia-escena)

TALLERES 2010

Sobre Esperando a Godot de Samuel Beckett, en versión del KRONOS TEATRO con dirección de Julio Rodríguez, por Marcelo Ponce (Cba)

FELIZ 2010

Esperando a Godot de Samuel Beckett

Aquyah Ora;" (no se puede contar lo que aún no sucedió)

SEMINARIO DE TEATRO RITUAL EN VILLA MARÍA

"LUZ AZUL" De Rakhal Herrero

KESKESÉ? A la Carta!!! 2009

“Te parten en 4… el corazón”

EXTRAÑOS EN LA NOCHE, de esther Suarez Durán

Ensayos del Elenco Municipal "Extraños en la noche"

Estraños en la noche, de Esther Suarez Durán

PoesÃÆÃÂ­a en libretitas - Noticias de Villa Maria - El Diario del Centro del PaÃÆÃÂ­s Online - Villa Maria, Cordoba, Argentina

Nota del Diario

Fernando Peña....UN LARGO ADIOS

NUESTRO ADIÓS A AUGUSTO BOAL

Extraños hábitos! ya viene!

NO AL CIERRE DEL TEATRO LA LUNA!!!!!!!!!!!!!!!!!

"EXTRAÑOS HÁBITOS"

INICIO DE TEMPORADA "EXTRAÑOS HÁBITOS"

TALLERES 2009

El círculo abierto, experiencia inolvidable

NATIVA ENERO 2009

NATIVA DICIEMBRE 2008

Revista nativa, NOVIEMBRE 2008

SOLOS (no tan solos) gracias gente

SOLOS (no tan solos)

El Adios a un grande ULISES DUMONT

LOS DUEÑOS DEL CALLEJÓN, mis chicos!!!!

SALA MANDRITAS

Nativa de Octubre, Tadeuz Kantor

Iniciación Musicala en la sala

RECITAL DE MÚSICA HINDÚ

Taller en la Llave

MASCARADA EN NATIVA

KESKESÉ…? A LA CARTA

Seguimos trabajando...

MEMORIAS DE SATÁN, SEMINARIO "LA VOZ Y LA ACCIÓN"

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